L'Evolution, Les premiers hommes. Les premiers temps de l'humanité. (art.1)

Cette question se rapporte à une recherche que je suis en train de mener en vue de la réalisation d'une toile monumentale de 5 mètres x 3. Relativement à la préhistoire, aux premiers temps de l'humanité.
Il est question des origines de l'humanité. Inévitablement on pense à l'évolution, à Darwin. La face de l'homme de Néanderthal ou de Cromagnon est pour moi comme une apparition. Je l'ai dessiné déjà et peint dans un petit panneau a tempéra.
Le darwinisme ce sont aussi les passages de la nature à l'humain, les fusions de la roche du végétal jusqu'à l'embryon, à l'être vivant animal puis au pré humain. Quelles suggestions ces quelques mots font surgir du magma informe! ou du gribouillis, du blanc du papier.

- Cromagnon mais aussi le temps des 1^ers homme d'Abel et Caïn. On repense à la légende des siècles de Hugo et au tableau de Cormon du musée d'Orsay. Le temps des premiers hommes est aussi le temps du premier Crime de l'humanité.
Durant cet été 2011 j'ai réalisé un toile a tempéra de 2m 50 à propos du meurtre de Caïn. Abel et Caïn les deux frères protagonistes de ce 1^er drame de l'humaine condition sont ainsi dépeints : Caïn est un agriculteur sédentaire. Il cultive le sol. En fin de saison, Abel apporte l'offrande ses bêtes au Seigneur et Caïn apporte les fruits et légumes de sa terre. Le seigneur regarde Abel seulement et Caïn en fut irrité et très abattu. Le Seigneur lui dit que c'est ainsi que le péché est assis à sa porte. Et lorsque Abel et Caïn, furent dans les champs, Caïn attaque Abel et le tue. Le Seigneur lui dit qu'il était maudit, que le sol ne lui donnerait plus sa force ni ses fruits. Il sera maintenant errant et vagabond sur la terre.
Cet acte de Caïn est le crime primitif, Caïn est le 1^er homme préhistorique dans toute sa violence de bête sauvage. Il représente les 1^ers temps de l'humanité. Le Caïn du peintre Cormon au musée d'Orsay nous le montre dans une débauche de peaux de bêtes, de poutres grossières, de bassins de cuivre et de poignards. Cormon a peint un manifeste préhistorique.
Ce Caïn est un vieillard tragique qui représente l'homme primitif livré aux instincts les plus violents et la plus sauvage animalité. Ces images rejoignent les idées et théories de Darwin sur l'origine de l'humanité.

- Le corps d'Abel c'est aussi l'expression du cadavre en art que l'on retrouve et que j'observe dans Falguière (la mort d'Abel), James Tissot ou Donatello et toutes les visions sombres que les artistes vont continuer de développer.
Cette évocation d'Abel et Caïn observé chez les artistes m'a conduit inévitablement à la 1^ère humanité, à ses visages mi-homme mi-animal, aux passages entre les règnes de la vie et aux mutations.

- J'ai réalisé des ensembles de dessins représentant l'homme animal ou l'animal humanisé, inspiré parfois par les dessins de Le Brun. J'ai aussi dessiné des plantes des formes d'algues qui peu à peu émergent en arborescences et puis en arbres gigantesques dans un paysage qui assure le passage entre la vie aquatique et la vie terrestre.
J'ai  repris des dessins de suppliciés, de têtes coupées inspirés de Viertz, des meurtriers  ou des portraits de Daumier. Je me suis intéressé à la physiognomonie de Lavater et à la phrénologie de Joseph Gall et à Lombroso et à la criminologie ce qui m'a permis de dessiner des hommes animaux ou l'expression des bosses du crâne, celles du crime. Les dessins de Grandville  sont également inspirants. De même les études de Camper sur les physionomies. J'ai réalisé de multiples dessins évoquant les expressions particulières des péchés capitaux, inspirés de Grandville. En effet l'envie, l'orgueil, la gourmandise, la paresse, la luxure, l'avarice , la colère suggèrent des transformations du visage, des mutations très intéressantes dans le cadre de cette recherche sur les 1^ers hommes. Il y a aussi dans mes dessins, les mutations jusqu'à la mort avec des représentations de vanités et des crânes. Crânes des recherches archéologiques, ossements et fossiles sont aussi une approche des 1^ers hommes.

Recherche dessinée en vue d'une composition pour une toile de 5 mètres x 3 m. - © R. Dumoux - 2012

- A tout cela peut se joindre toute une suite d'études sur le post humain, sur l'homme robot et la nouvelle  évolution de l'humain.

         Une composition va se dégager  de ces  indications, notes écrites et dessinées en nombre figurant dans mes catalogues de dessins précis.
Il me semble que si la plupart des mes toiles précédentes furent composées à partir de schémas de construction bien déterminés, dans ce cas j'imagine au contraire un désordre, une paysage informe  d'où vont naître les embryons de la vie, de façon anarchique. Comme une accumulation qui n'a pas de finalité bien déterminée. Les formes de la vie naissent, se développent, se transforment deviennent autre ou disparaissent. L'humain semble alors émerger par hasard de ce chaos et dès ses débuts il parait brut plein d'animalité, très proche d'ailleurs des formes primitives de la vie.

Telle est en ce moment ma recherche sur ce projet de toile "les Premiers hommes" 
Maintenant, les études de compositions vont se succéder…… (Octobre 2011)

R.Dumoux
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L' EVOLUTION :

Deux mois plus tard,en décembre 2011 : la composition intitulée "l'évolution, les 1^ers hommes" semble née peu à peu, du moins s'est elle fixée.. (fin Février 2012) ..... comme une vision.

DESCRIPTION :

D'un nuage informe nait un foetus imposant  au centre de la composition, avec des ramifications, des cordons ombilicaux,  de courbes parallèles. L'ensemble va créer une sorte d'étoile de mer, d'astre étrange; étrange aussi dans ses lumières et couleurs rougeâtres.

L'humanité depuis les rampants et primates, depuis Toumaï, se dégage, se redresse puis s'élève, semble prendre son essor pour effectivement voler vers l'espace. Tout cela se déroule dans la partie médiane du tableau sur un fond de paysage protohistorique évoluant vers un panorama cosmique.

L'envol de l'humanité, de l'intelligence se poursuit mais bientôt va se dérouter pour se décomposer en la chute d'Isard et Dédale. Ces deux figures mythiques se destinent à plonger au bas de la composition dans le lac des décompositions préhistoriques.

Cette composition illustre dans un grand mouvement circulaire, l'évolution de la créature qui à partir du foetus, se développe, progresse d'une façon vertigineuse pour retomber peu à peu comme Icare et Dédale dans le chaos primitif pour ensuite renaître plus tard.
Cette évolution n'est pas uniquement progressiste dans le sens de l'évolutionnisme. Elle n'est pas non plus fixiste, ou créationniste. Elle reste cependant ouverte dans son processus de renouvellement, c'est à dire que pendant cette évolution, de nouvelles formes de vie complexes peuvent naître et se développer.
Il reste à remarquer que toute la base de la composition de cette toile de 5 mètres est consacrée au monde souterrain, celui des Enfers, mais aussi des morts, des fossiles, des crânes de pithécanthrope, grands singes et autres créatures de l'archéologie.

Actuellement au 27 02 2012 j'ai précisé une 1ère maquette de ce grand tableau pour envisager l'approche colorée et très bientôt la mise en place sur la toile de 5 mètres qui fut récemment préparée et encollée selon les normes.

1ère maquette pour une toile de 5 mètres x 3 m. : "Les Premiers Hommes"- © R. Dumoux - 2012

Ce jour le 27 février 2012

R.Dumoux

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Le prix d'une oeuvre d'Art et la valeur esthétique?

Quels sont les liens entre l'art et l'argent ?

C'est une question d'actualité importante.
Des oeuvres, parfois médiocres simulacres d'oeuvres célèbres se vendent très cher et d'autres de grand intérêt restent sans valeur. Ces oeuvres là de qualité et appréciées restent sans visibilité et semblent condamnées alors qu'une représentation médiocre par exemple deviendra une valeur cotée en Bourse.

Jean Joseph GOUX a publié un essai "l'art et l'argent". Cet article s'inspire de réflexions  à ce propos.

Historiquement, ce rapport art et argent apparait au 19 éme siècle dans les réflexions d'écrivains  à l'époque des impressionnistes. Zola surtout mais aussi Mallarmé ou Huysmans ont analysé ce problème qui se produisait dans le marché de l'art  et ils observaient un passage d'une forme de marché à une autre forme. Le sens de la valeur esthétique et économique est modifié.
Dès ce moment la valeur d'un objet ou d'une toile est Boursière. Nous sommes devant le problème actuel et la valeur économique d'une oeuvre n'est plus stable et surtout ne se fait pas en fonction de critères reconnus comme le beau, le fini, le ressemblant ou l'édifiant. Non il ne s'agit pas de cela.

Marchands et acheteurs  n'ont pas ou peu de connaissances de l'art  mais il gèrent un porte feuille de valeurs boursières. Actuellement ce phénomène s'est amplifié et il conduit à des dérives générales sur les pratiques artistiques. En art il n'y a plus de critères d'appréciation et même il ne s'agit plus d'art. Seul le jeu de pratiques boursières est important pour amener n'importe quoi à des cotations vertigineuses.

Cela conduit à des référencements importants et à des conservations onéreuses dans les musées d'oeuvres qui finalement ont peu à voir avec l'art que le musée conserve habituellement.
Zola dans "l'oeuvre" parle déjà de tout cela". Dès l'époque impressionniste se pose déjà la question de la valeur-travail dans les tableaux. Le client est un peu réticent à acheter un Monet ou un Sisley car il trouve le travail insuffisant et proche d'une improvisation facile. Et il ne voit que travail bâclé dans les toiles impressionnistes. Le peintre lui même fuit cette valeur travail comme étant celle d'un ouvrier académique d'un artisan laborieux sans initiative.
C'est donc bien la question de l'importance du travail qui est au coeur du débat pour le peintre comme pour le client.

Les impressionnistes désiraient seulement se libérer des contraintes académiques  pour obtenir un autre effet, celui de la liberté de l'improvisation et de l'inachèvement à l'encontre du léché flasque. Et dans ce cas le travail réel se cache derrière la spontanéité. On comprend bien cela lorsque l'on regarde des oeuvres de maîtres anciens : les ébauches, les esquisses de Léonard à Gustave Moreau qui collectionnait ses macules et palettes colorées tout en travaillant sans relâche à son Jupiter et Thétis.

Actuellement la valeur travail est abandonnée au profit d'un point de vue subjectif et c'est l'acheteur (et non le créateur) qui est la source de la valeur. Il y a maintenant un renversement des rapports entre valeur esthétique et valeur économique. C'est le prix qui est un critère de la valeur esthétique.

D'autre part Joseph Goux décrit la variabilité du jugement sur la valeur esthétique, c'est à dire que les cotes se font et se défont comme les valeurs boursières. Et les collectionneurs suivent ce papillonnement qui est suivi par le musée qui a tendance à stabiliser. Il y a un comportement moutonnier à la Bourse et il en va de même pour le marché de l'art. Et cette tendance moutonnière est la cause de réévaluations à la hausse ou à la baisse. Comme par exemple la réévaluation de la peinture dite académique (Gérôme .. Cabanel)

(Joseph Goux parle aussi de Nietzsche et de ses réflexions sur la notion de valeurs. Ce qui est intéressant c'est qu'il établit un parallèle entre la mise en cause par Nietzsche et la critique des  notions de valeur par Tzara et les dadaïstes. Il y a chez les deux un appel à la subjectivité individuelle plutôt qu'à une esthétique dominante.
Dans ses manifestes Tzara précipite le mouvement de dévalorisation des valeurs et il met en causes les notions de beauté de vérité et tout ce qui peut évoquer une transcendance supérieure. Dans les manifestes Tzara ravale les valeurs hautes , l'art , l'artiste , à des valeurs basses.)

Le cas de l'acheteur qui ne connait rien de l'art est déjà suggéré par Zola lorsqu'il évoque le fait que le tableau n'est rien d'autre qu'une marchandise que l'on stocke en attendant de la vendre quand sa cote s'élève.
Le tableau est comme du cacao, du sucre, du cuivre ou du pétrole et il n'est qu'un support de spéculation. (il n'est pas fait pour être admiré, étudié, médité mais pour être entre les mains de courtiers ou de gestionnaires)
Cependant dans certains cas et c'est paradoxal, ces pratiques économiques  qui ravalent l'art au statut de matière quelconque, en même temps, elles apportent à l'art un hommage involontaire qui est alors considéré comme un trésor.

R.Dumoux
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N.B
La valeur d'une oeuvre d'art?  : valeur esthétique ou valeur économique? ?
- A priori la valeur esthétique existe selon certaines évaluations. En soi elle est durable contrairement à la valeur économique qui semble plus fluctuante.
Pour perdurer de façon visible la valeur esthétique doit être soutenue par la valeur économique..
Sans la présence de la valeur économique, cette valeur esthétique d'une oeuvre n'est pas protégée et avec le temps l'oeuvre abandonnée à elle même, se dégrade et va à sa destruction. De multiples oeuvres qui paraissent parfois comme des trésors sont ainsi promises à la ruine si elles ne bénéficient d'aucune protection.

Série de 40 Gravures . (1er article)

Cet article est  relatif à une suite de 40 gravures à la pointe sèche.
L'ensemble est visible sur le site viapictura.com ici : http://www.viapictura.com (3ème diaporama)

Les 40 gravures (cuivres de 25 x 35 cm chacun) retracent chaque étape d'un panorama peint de 40 toiles de 5 mètres x 3 chacune.
(Développement depuis le Big Bang jusqu'à nous et se projetant dans le futur.)

Je souhaite bonne recherche et découverte au visiteur pour cet ensemble gravé.

R.Dumoux
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Autres articles prévus: Textes, Dossier Atlas. Dessins. Assemblages. Constructions et monochromes. Objets.

L'ORIENTALISME (article de 2011)

Capture de la Smala d'Abdelkader, 16 Mai 1843 par Horace Vernet.

Maintenant nous sommes ouverts à tout ce qui est international, cosmopolite, à toutes les cultures ancestrales que nous respectons. En cette époque post coloniale nous nous intéressons aux périodes colonialistes, en particulier en Orient.

             -L'épopée orientaliste fut un phénomène européen qui prend sa source au 18 éme avec la traduction des mille et une nuits, qui provoque un rêve d'Orient. Beaucoup d'artistes s'embarquent vers l'Orient, vers le Bosphore . On pense à Delacroix, Chassériau, Fromentin, Gérôme et aussi aux anglais, allemands, italiens… depuis le romantisme jusqu'à Klee ou Matisse.
L'orientalisme s'intéresse à l'archéologie, aux monuments mais aussi aux coutumes, aux scènes de rues, paysages de désert mais aussi au harem, au sérail. L'orientalisme touche toutes les catégories picturales, le paysage, la peinture d'histoire ou la scène de genre et des thèmes très classiques.. Les peintures sont alors réalisées dans l'atelier, à base de photographies avec beaucoup de détails comme Gérôme. Ainsi on a pu considérer l'orientalisme comme une expression à l'écart des mouvements de l'époque tels que romantisme ou réalisme.
Delacroix est un grand orientaliste qui reste romantique. Le sujet traité est important mais c'est l'interprétation qui domine, en donnant le primat à la couleur. Il associe  l'aspect reportage  à l'interprétation poétique. La richesse des couleurs  et des matières, au lieu de décrire des détails, suggère l'émotion de l'orient et en révèle la couleur et les parfums..
Cependant d'autres peintres  restent dans un registre d'illustration réaliste à partir de photos.
D'autres peintres parviennent à se dégager de ce réalisme comme Eugène Fomentin  dans ses visions du désert  où il montre à  la fois le paysage mais aussi l''émotion biblique  et la rêverie qu'il suscite.

                            - L'Orientalisme est un ensemble de Thèmes où chaque artiste apporte son regard et sa technique. Un peintre académique demeure académique et un romantique reste romantique dans son travail orientaliste.
Les thématiques se perpétuent, perdurent de Guérin , Cogniat  à Matisse. Ce qui importe c'est l'approche ethnographique et les peintres voient les paysages, les villes, les objets Ils prennent des photos qu'ils vont utiliser à leur façon dans les ateliers. Comme ils n'ont pas accès à certains intérieurs, ils s'attachent à recréer des atmosphères et produisent des visions recomposées et littéraires.
De 1850 à 1870 la peinture orientaliste a beaucoup de succès. Les artistes sont très demandés d'où la répétition  des thèmes.
Aujourd'hui ce marché réapparait. Les tableaux orientalistes donnent une grande part à l'imaginaire, au rêve littéraire de l'Orient. Cette civilisation, on la fantasme dans les bains depuis Ingres et Gérôme, les hammams et aussi les paysages de désert.


                             - Le Désert dans l'orientalisme est un lieu d'épreuve , traversé par la mort et oblige à une palette réduite. Cela constitue une manière nouvelle d'aborder le paysage qui est au coeur de de la peinture du 19 éme. C'est un regard sur l'infini. La découverte du désert revient à Eugène Fromentin qui a fait 3 voyages en Algérie de 1846 à 1853 et a découvert ensuite l'Egypte. Il est aussi écrivain et il décrit le Sahel, le Sahara, les tempêtes de Sable , le sirocco, le Simoun redoutés des hommes comme des animaux des caravanes. Les peintres donnent des scènes d'épreuve de l'immensité.
Léon Belly peint la mer morte, le désert biblique de Sodom et Gomorrhe et ce n'est alors qu'un chaos de pierres.  Belly peint aussi les "Pèlerins allant à la Mecque", une avancée de caravanes de fidèles. Le soleil y brûle, c'est un camaïeu de gris ocres et bruns avec des taches de couieur vives au 1er plan. Guillomet comme Fromentin peint le Sahara.
Le désert est l'un des lieux les plus emblématiques du paysage orientaliste, fascinant.

                           - La peinture d'histoire est  aussi un point  important de l'orientalisme. Suite à l'expédition d'Egypte les peintres se confrontent avec l'Orient et renouvellent  la peinture d'histoire, on s'éloigne du néo-classicisme : ce sera un rêve d'Orient avec l'inspiration romantique de Delacroix.
Guérin est un peintre d'histoire qui peint "Bonaparte réprimant une sédition au Caire". Gros peint Bonaparte visitant les Pestifférés de Jaffa. La Révolte du Caire de Girodet est vraiment aux antipodes du néoclassicisme et propose une nouvelle peinture d'histoire. Il faut encore citer Horace Vernet qui fut le peintre officiel de l'Algérie et Decamps peint la bataille décisive  de Navarin.

                           - Autre point important de l'orientalisme: la représentation de l'interdit : le Harem. L'orient est un rêve pour les peintres et le harem est le lieu du fantasme occidental. C'est un lieu secret caché. La première,  lady Wortley Montagu put visiter  un harem : elle décrit cela dans des lettres à son mari, "200 femmes alanguies dans les vapeurs et les conversations du bain". Le harem sera un tabou prétexte à toutes les audaces picturales. Renoir va s'inspirer du fantasme de ces lettres. Mais Ingres surtout : il peint l'odalisque à l'esclave où les corps sont comme enchâssés dans la  mosaïque de couleurs  des carreaux et des dessins géométriques des tapis. Son chef d'oeuvre sera le Bain turc comme la somme des beautés de son univers pictural. Plus tard Delacroix visite un harem et il pense que c'est le lieu préservé de la beauté antique. Pour lui c'est comme au temps d'Homère : la femme dans le gynécée avec les enfants, filant et brodant.

                            - Autre tendance de l'orientalisme:  Peindre la religion. On voit dans l'Orient le berceau des religions. Ainsi on veut mettre la Bible en images et aussi le culte musulman avec son pittoresque. C'est  un peu un défi car on est à l'encontre d'une tradition chrétienne. Au 19 éme c'est un grand trouble pour les catholiques. Pour l'exégèse le Christ est incarné sous les traits d'un oriental, selon les sources de textes anciens ou de vestiges archéologiques.
Une biographie du Christ est publiée en 1835 par David Strauss et puis 30 ans après ce sera "la Vie de Jésus" de Renan. Certains dogmes catholiques explosent  avec ce livre le plus lu de son temps.
Quelle sera alors l'origine des représentations des peintres? car les artistes n'ont pu éviter cette révolution.
Après l'idéalisation pendant des siècles, ce fut la réalité brutale presque triviale au risque de tuer la Bible en la costumant de façon reconnaissable. (selon Fromentin)
Mais certains peintres vont essayer une accommodation à l'orientale tel H. Lehman élève d'Ingres. Il réalise une adoration des Mages  avec une Vierge réelle et des Mages avec des types ethniques bien différents et vêtus à l'orientale. Il s'inspire de Rubens mais n'a jamais été en Orient. Chassériau avec "la Toilette d'Esther" créé un air bien oriental. Ami de Chassériau, Gustave Moreau peint Apparition en 1876 : Salomé dansant devant Hérode voit apparaître la tête de Jean Baptiste. Pour ce tableau il s'inspire de photos de revues telles les femmes de tribus avec leurs voiles transparents et leurs bijoux.

                              - Il y a aussi un réalisme religieux. Et un réalisme historique.
Horace Vernet, après son séjour en Algérie est réaliste. Avec réalisme il peint un épisode biblique audacieux : "Thamar et Juda" Il recherche avec exactitude le costume des anciens hébreux et celui des arabes modernes. Horace Vernet peintre d'histoire  réalise  un extraordinaire tableau de 30 mètres de long, conservé à Versailles au musée de l'histoire de France : il s'agit de la prise de la smala de Sidi Ferruch par le duc d'Aumale contre Abdel Kader. Episode très important de la conquête de l'Algérie en 1843.
Gérôme également peint de façon archéologiquement exact le Golgotha. James Tissot de même peint une caravane de nomades dans un paysage de désert grandiose.

                              - Un problème pour le peintre orientaliste : Peindre le Sanctuaire inaccessible. Les peintres voyageurs transcrivent ce qu'ils ont vu malgré les interdits de l'Orient profond et de la religion musulmane. Le sanctuaire est interdit à l'étranger qui passe.Il faut dire que l'homme oriental est l'homme de foi que l'occidental n'est plus.
Gérôme grand voyageur peint "Prière publique dans une mosquée" et c'est une reconstitution de la plus ancienne mosquée du Caire. D'autres sanctuaires furent ainsi représentés et aussi à partir de photos.

               L'orientalisme semble d'actualité grâce à des expositions importantes ( musée d'Orsay par exemple) ou simplement par la présentation nouvelle d'oeuvres de Gérôme ou d'Eugène Fromentin avec ses paysages impressionnants du Sahara, comme "au pays de la soif"

R.DUMOUX
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DANSE ET ARTS VISUELS DE 1900 A NOS JOURS.

Cet article fait référence à une exposition récente du Centre Pompidou.
On constate d'emblée que la danse s'est peu à peu dégagée du classicisme et elle devient source d'inspiration pour les artistes depuis le cubisme ou le constructivisme. Puis ensuite on observe ses influences dans l'art de la performance depuis le dadaïsme jusqu'à la techno actuelle.

                    Les Figures majeures du 20^ème siècle. On remarque deux mouvements :

- Du coté européen ce sera la danse expressionniste allemande de Mary WIGMAN à Pina BAUSCH et Rudy LABAN.
On ne peut qu' inviter le lecteur  à rechercher sur Google ces 3 figures (les images sont très inspirantes pour un travail pictural)

- Du côté américain on peut rechercher Trisha BROWN ou Anna HALPRIN. C'est la Danse performance des années 50.

Ces deux pôles sont déterminants. C'est l'aller retour entre danse et art dans l'art allemand et américain. (Et même actuellement ces deux aspects  sont sources d'inspiration et d'élévation pour les peintres.
Historiquement la danse  de Mary Wigman fut influencée par Nolde qui l'invite à retrouver Laban. Nolde trouve dans la danse l'écho dionysiaque de sa peinture. Il représente Wigman dans des postures extrêmes avec ses aquarelles.
De même Kirchner vient la peindre dans son studio, il peint la danseuse comme motif pictural. Wigman n'est plus un modèle  mais  un mobile, un spectacle pictural.
Donc 1920 : c'est déjà la danse performative avec Whigman Nolde Kirchner.

Puis ce sera l'histoire américaine des années 50 avec Anna Halprin.

Cette exposition du Centre Pompidou montre les pôles allemands et américains, et l'absence de la France dans le rapport  arts visuels-danse. En France il y a un non-rapport fondamental entre les arts plastiques et la danse. La danse française est longtemps restée sous la tutelle de la danse classique avec le culte de la littérature. La narration classique de la danse s'est ainsi continuée dans les années 80.
Quelques influences opposées  sont cependant apparues postérieurement dans les années récentes pour "raconter sa vie", la danser...

... et globalement s'inspirer de ces diverses sources très riches pour peindre les mouvemens de la vie.

"La Danse " tempera sur toile - 2007 © R. Dumoux - Viapictura.com

R.Dumoux
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A propos du Land Art.  Exposition actuelle à Los Angeles été 2012)

Il s'agit des artistes des années 70 dans les déserts américains et des lieux mythiques. C'est la conquête de la terre  de 1960 à 1975 environ avec des pièces majeures de l'art contemporain, des pièces inoubliables.

- Robert Smithson. On quitte la civilisation par une piste vers le grand lac salé de l'Utah et on marche sur les pas de Robert Smithson lorsqu'il voulait installer sa Spirale Jetty de 1970. On se croit devant l'origine du monde d'une grande désolation toute de gris. Ce grand enroulement mesure, en émergeant de la mer, 457 m  x 4 m de largeur. Cette spirale est hors du temps et préhistorique. Elle fut un moment menacé par une société pétrolière mais Nancy Holt veuve de Smithson alerte la communauté artistique et cela permit de sauver la Spirale Jetty sur le bord du Lac Salé.

- Nancy Holt : Sur la rive opposée du Lac Salé elle installe une oeuvre qui fait signe à Spirale Jetty : ce sera le Sun Tunnels de simples tubes de béton qui sont comme un culte au soleil , aux solstices et à la lumière qui inonde et parle, invoque la rive opposée où s'enroule la Spirale.

- Michael Heizer autre maître du land Art est retiré maintenant dans son ranch du Nevada. Assez proche de Las Vegas il cache la plus grande sculpture au monde  : The City. C'est un dédale inspiré des Aztèques avec des murs en biseau. Cette City, Heizer la construit depuis 40 ans.
Heizer a laissé aussi une fosse de 500 m x 15 m de large, Double Négative dans dans le désert du Nevada.

- Walter de Maria, le 4éme Titan du Land Art : il se confronte aux puissances de l'Univers. Il est le démiurge des éclairs en créant  The Lightning Field. C'est un simple champ recouvert de paratonnerres, près d'Albuquerque  au Nouveau Mexique. il y a une cabane qui peut accueillir les curieux de ce spectacle d'Enfer lorsque les orages se déchainent. Tout le programme est dans la contemplation de ce sublime du monde, de la terre.

- James Turrell est un dernier grand représentant de ce mouvement. En Arizona il a créé un observatoire cosmique : le Roden Crater , un volcan , un cratère  qu'il a transformé en laboratoire cosmique.
Il ainsi acheté 18 cratères de volcan pour choisir celui qui convient le mieux à son observatoire. Pour financer tout cela li a un élevage de plus de 1000 têtes de vaches. Les vaches paient les frais du volcan.
Turrell est inspiré par les stukas indiens et avec Roden Crater on peut recevoir la lumière des plus vielles étoiles… d'étoiles plus anciennes que le système solaire, et remonter jusqu'à 3 milliards d'années lumière. C'est la grâce du ciel, du cosmos.

Le Land art est une tendance de l'art qui s'affronte aux éléments et pratique des errances dans les paysages pour les sculpter dans leur immensité.
Dans cette lignée on peut encore évoquer : Robert Morris, Christo, Dennis Oppenheim. Parfois ce sont des dimensions plus restreintes.. Ou encore Richard Long et Hammish Fulton qui se lance dans de très longues marches. … à la recherche et la contempation  de l'univers.

R.Dumoux
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Gravures et dessins pour un Atlas cosmique .

L'ensemble de mon travail repose sur la présence permanente du dessin et de la gravure: la source de tout mon travail et de sa variété. www.viapictura.com
Les gravures sont des gravures de recherche ou d'études mais aussi des gravures d'interprétation des tableaux, de petite dimension ou monumentaux, réalisées avant la réalisation picturale  ou au contraire après….
Telles sont les gravures présentées dans un précédent article : la suite de 40 gravures évoquant l'ensemble monumental peint de 40 toiles monumentales. Panorama de 40 Gravures
Ce travail de gravure repose sur ma pratique quotidienne du dessin.
Le corpus de mes  dessins est immense, se développe sur environ 40 ans de façon continue de façon parfois volontairement  systématique,
Ce Travail doit être considéré sous l'angle de la Variété. Toute les images du monde réel ou fictif y paraissent. C'est pourquoi il est bien de qualifier tout cet Univers  d'Atlas ou Atlas cosmique… du fait qu'il s'étend dans l'espace mais aussi dans le temps , du monde sous terrain au monde aérien, englobant toutes les couches, toutes les strates de la vie terrestre, du paradis et de l'enfer.

                                       Ainsi défilent des cohortes bigarrées :

l'histoire, la mythologie, les miniatures médiévales, les allégories, les amours des dieux, les animaux, la peinture religieuse,  la charité, l'exotisme, les oiseaux exotiques, le détails anatomiques, les détails de natures mortes, les fleurs et plantes, les éléments.le déluge , l'enfer, les cercles de l'enfer de Botticelli, , les enlèvements, crucifixions, danses, le baiser d'Amaryllis, les drapés, les danses macabres, éros et thanatos, les difformités, les corps malades de la peste, la fontaine de Bethésda, les grimaces  et les caricatures, les portraits, les évangélistes, le jugement dernier, le Baptême de St Jean Baptiste dans le Jourdain, le noeud d'amour, la résurrection, l'érotisme, les serpents dans Moïse et Aaron, l'argent, les péchés capitaux, le temps, les anges, les scènes grotesques, les décors et figures de grotesques, figures hybrides, la fessée, élève rossé, les saisons, les travaux des champs, tailler, bêcher piocher etc, les fruits, les raisins, le blé, crânes et transis, vanités, ..

Cette liste, cette accumulation caractérise mon travail de dessin au cours des deux derniers mois d'Avril et mai 2012. Cela représente une suite  continue et abondante de dessins aboutis, un fleuve qui a sa vie propre. Ce flux est composé d'éléments très variés. La Variété caractérise l'ensemble de ce travail de dessin.
Il se trouve que je suis passionné de William Hogarth qui précisément parle de la Variété dans son travail, dans un chapitre de son livre "Analysis of Beauty". Variété en effet dans une gravure de Hogarth tel le lever de la Comtesse de la série du "mariage à la mode"  Gravure où l'on voit des natures mortes symboliques, des frises de figures, un paravent peint d'une scène complexe, des draperies encadrant un miroir, des rideaux ouverts sur un lit, des tableaux au mur. Le spectateur fait une sorte d'investigation archéologique … visite ce palimpseste dense.

Le lecteur peut se rendre sur le site www.viapictura.com et découvrir des ensembles de dessins et gravures. Il manque bien sûr des exemples plus récents dans ce courant graphique dont les concepts se développent dans les compositions gravées et peintes, parfois en très grandes dimensions comme aussi en miniature.

(Cela laisse présager de la proximité de pensée entre la miniature et le monumental. La miniature devant paraitre monumentale comme une oeuvre de Pol de Limbourg  et le monumental devant être travaillé au (petit) pinceau à la manière d'une  miniature. Paradoxe à développer.)

R.Dumoux
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St Louis : Recherche pour une toile de 500 cm x 300 cm

En préambule admirons la magnifique toile du Greco "St Louis"

- St Louis figure emblématique de l'Histoire, c'est le roi pieux, la charité et  la justice, son souci de la chrétienté et du tombeau du Christ.

Comment élaborer une composition? Il semble que deux tendances se dégagent :

- La vie de St Louis, son action, sa politique, ses guerres, la 7 éme croisade, sa pratique de la charité, de la justice. Tels sont les aspects concrets de la vie de St Louis.

- Le rêve de St louis. Finalement c'est un rêve d'Orient, le rêve de conquérir les trésors du Saint Sépulcre et de sauver le tombeau du Christ des mains des Turcs.

Ce sont ces deux lignes directrices qui me permettent de faire des recherches, de prendre des notes, de les confronter et  vérifier mais surtout aussi cela me permet de dessiner des compositions, d'élaboer les premières pensées.
Les compositions sont inspirées d'évènement historiques illustres. Par exemple je me réfère à des toiles connues telles St Louis à Damiette en Egypte, son débarquement ou bien La mort de St Louis à Tunis ou St Louis visitant les lépreux et bien avant rendant la justice au peuple.

 Ces deux directions, la réalité et le rêve me permettent d'imaginer une composition, ses grandes lignes du moins.

- La réalité c'est la figure de St Louis et alentour sa vie, ses actions ou événements auxquels il a participé. Ainsi se déroule dans ma composition une bande narrative autour de St Louis.

- Mais il y a le ciel et le rêve immense de St Louis.

Ce rêve ce sera une forme étrange énorme, comme un nuage envahissant tout le ciel. Cette bulle, c'est le cerveau de St Louis, son rêve de l'Orient, de Jérusalem, du tombeau du Christ et de la protection des trésors du St Sépulcre, des lieux saints.

Les grandes lignes de ma composition seront disposées en deux registres superposés.
Les faits terrestres et d'autre part le ciel, tout ce qui touche au rêve, au rêve innabouti mais  qui se réalise d'une autre manière. Ce sera la "Jérusalem délivrée", la prise de Jérusalem, les saintes reliques de la crucifixion pour lesquelles St Louis fera construire la Ste Chapelle à Paris. L'or et des vitraux d'une grande richesse colorée créent l'ambiance, la Lumière.
Il me faut maintenant dessiner beaucoup, mettre en place, disposer, effectuer des choix.
Il m'est aussi possible de puiser dans mon répertoire des dessins, dans mes carnets quotidiens et livre de modèles. Ainsi je retrouve aujourd'hui un dessin évoquant la visite aux pestiférés de Jaffa ? Cet élément pourra ainsi être repris pour  St Louis et  en particulier le corps d'un pestiféré.
A noter que je viens de découvrir dans une petite église un vitrail du 19 éme qui figure St Louis soignant des pestiférés.

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"Saint Louis" maquette pour une toile de 5 mètres x 3 mètres - R. Dumoux - 2012 - © viapictura.com

En Europe il fut le 1^er Musée d'accès libre  depuis 1779. Il se situe à Kassel en Allemagne à environ 360 Km à l'est de Bruxelles, par Düsseldorf. Il fut fondé par Fréderic II de Hesse qui auparavant avait créé l'Académie des Arts..
Or le Friedericianum est un lieu où se déroule l'actuelle Documenta de Kassel.

 A l'intérieur sont regroupées des oeuvres de diverses époques mais en rapport avec la contradiction, la destruction, l'espoir, la retraite.

- Par exemple le Louvre posséde 3 statuettes de princesses de Bactriane  (il y en a 80 dans le monde provenant d'Asie centrale.) Ces statuettes datent de 3000 ans avant JC sont appelées Bactrianes, de pierres différentes. Et ainsi en présentant cet ensemble précaire on parle de perte mais aussi de survie.
- Au Friedricianum sont aussi exposées les sculptures de Julio Gonzalez et confrontées à la photo d'un homme et d'une femme regardant. C'est le passé dans le temps, présent..
- Autre oeuvre exceptionnelle présentée au Friedricianum : une immense tapisserie (de peut être 20 ou 25 m de long, un chef d'oeuvre) en noir et blanc d'apparence photo réaliste. Cette tapisserie montre une foule devant le musée de Kaboul, sujet de forte expression actuelle.

- Toujours à Kassel et dans la même pensée sont présentés  les bouddhas de Bamyan et l'on essaie de résister aux hordes de la Destruction. On pense actuellement aux destructions de 7 des 16 mausolées de prophètes à Tombouctou, patrimoine mondial de l'humanité.

Autres tendances et oeuvres présentées au Friedricianum de Kassel : par exemple le directeur du Mémorial de Breitenau est invité à présenter son musée qui est considéré comme une véritable oeuvre d'art.

Il y a aussi un autre invité non artiste : Zeilinger directeur de recherche à l'académie des sciences d'Autriche qui y réalise une expérience.

- D'autre part cette exposition à Kassel, au Friedricianum  s'appuie sur un non concept  sur un non savoir. Ainsi on étudie l'histoire de la Bêtise cette zone de non savoir  et de la question de l'animalité. Ainsi on envisage la démocratie des chiens qui votent. Ces chiens qui ont accumulé par la mémoire olfactive un Savoir qui est perdu pour nous depuis longtemps. Nous considérons aussi l'intelligence des abeilles et des travaux d'artistes se consacrent aux savoirs particuliers d'espèces diverses et même aux savoirs des objets inanimés comme les minéraux.

Ainsi on présente de Brian Jugen un parc de sculptures pour chiens. Et il a aussi réalisé une sculpture pour chats. Naturellement ces sculptures pour animal existent. J'ai personnellement une magnifique sculpture mobile pour chat. Elle ressemble à un sculpture abstraite mais présente des formes horizontales arrondies où le corps du chat s'enroule et fait une gymnastique d'autant plus mouvante que cette sculpture en bois est mobile sur son socle et se balance selon les mouvements du chat.

Ce qui est intéressant au Friedricianum, c'est que l'on explore 4 situations de la relation de l'homme au monde.
- Se retirer du Monde.
- Etre en état de siège.
- Etre sur scène
- Etre porteur d'espoir.

Ainsi on présente des toiles de natures mortes de Morandi; il était dans une retraite du monde qui lui laisse une totale liberté. (retraite du monde avec cependant de nombreux soutien privé ou officiels)
 D'autre part Malevitch c'est la situation de l'espoir. Il arrête de peindre pendant la Révolution car il a un monde à refaire.
- Autre espoir : le collectif  AND AND installe des potagers dans toute la ville de Kassel : c'est un projet de l'espérance à l'état pur.
- Enfin à Banff au Canada on organise un séminaire sur le retrait du monde.
Toutes ces situations sont associées à une ville  Banff la retraite. Kaboul le siège. Kassel la scène. Toutes les oeuvres présentes sont anciennes, modernes ou  contemporaines mais sont expressives de l'humanité et de la relation de l'homme  au monde. C'est pourquoi sont présentées conjointement des oeuvres conceptuelles et des oeuvres modernes assez classiques. Plusieurs des toiles de 5 m x 3 de Pictorama (ensemble monumental peint de 40 toiles  sur le site www.viapictura.com) peuvent ainsi figurer dans cette Documenta de Kassel.

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Dans l'ensemble de mon travail, les drapés, les voiles ont une grande importance. Cela  a débuté avec de multiples dessins de grandes dimensions et travaillés à l'aide de courbes, comme des courbes de niveau parallèles qui définissent des reliefs, des volumes et finalement des silhouettes. Ces courbes parallèles déterminent des drapés qui se précisent alors dans des panneaux a tempéra évoquant des figures voilées, des transparences, comme une incursion en Orient. Ainsi le Saint Suaire me parut toujours comme un grand mystère et aussi une source d'inspiration, profonde.

En 2010, 2 millions de personnes visitent le Saint Suaire en la cathédrale de Turin. De nombreux visiteurs affluent pour quelques secondes. Claudel dans sa contemplation a dit :
"Ces yeux fermé, cette figure définitive comme empreinte d'éternité. Il y a quelque chose de destructeur. Quelque chose de beau, d'horrible tel qu'on ne peut lui échapper que par l'adoration."

Il y a de la science et de la foi dans le Saint Suaire. Mais la science butte et la foi va au delà.

Les travaux scientifiques n'ont rien pu affirmer. A la recherche d'une certitude historique, même le carbone 14 (qui concluait à une origine médiévale du St Suaire) a vu ses résultats contestés. Ils ont été faussés par l'enrichissement en carbone 14  dus à l'incendie de 1530. D'autre part le tissage du linceul et les pollens de Jérusalem mis en évidence par la NASA plaident pour une authenticité qui demeure cependant de l'ordre de l'inexplicable.
Devant cette incertitude, l'église aussi semble hésiter et interdit toute fascination.
(En 2000 le pape Jean Paul II à Turin se recueille devant un tabernacle de la cathédrale et ensuite devant le linceul, il le contemple puis va à la rencontre des visiteurs. Ainsi le moindre tabernacle semble plus vénéré que le linceul du St Suaire.)
Devant tant d'hésitation quant au caractère sacré du St Suaire, il est possible de retenir avec certitude d'abord son aspect d'une beauté fascinante. Et l'on peut affirmer que pour le linceul de Turin nous sommes face à un objet esthétique par excellence.

Et maintenant le linceul est présenté de la façon suivante : en 2002 il est décousu  de son support de toile de Hollande et il est présenté dans un caisson en longueur sur la tranche ; il est rétro éclairé et ainsi il déchire la pénombre de la cathédrale de Turin. C'est la vision de l'horreur sanglante et de la paix translucide.
Cette image faite de transparence est légère comme une fumée, l'image d'un corps cadavérique percé entre la 6^éme et la 5^éme côte.
Ce corps qui a été soumis au supplice est présenté sur un linge qui est déclaré impur par la loi Juive et cela nous touche, ce rapprochement entre l'impur et le sacré. C'est aussi une grande lumière spirituelle, la lumière de la vie splendide autour de cette mort atroce.

Enfin, plusieurs réflexions peuvent être menées à propos du linceul de Turin.
- Le St Suaire est une relique admirée pour sa représentation. On peut penser à l'incarnation d'une empreinte, à une étreinte ou à des oeuvres modernes.
- Cette image ressemble à un négatif photographique, à une radiographie, elle est réaliste. Cette image réaliste est aussi abstraite car insérée dans des lignes géométriques orthogonales que sont le plis parallèles et les plis noircis. Son réalisme rappelle aussi des oeuvres modernes, des peintures sur toiles libres.
- Enfin la reproduction augmente le contraste et renforce l'image du Suaire. (le célèbre négatif de Secundo Pia) Avec la photo on voulu rendre le linceul plus  lisible et visible.Mais en réalité le Suaire reste  d'une grande discrétion, léger et transparent. Il n'impose pas mais révèle en profondeur et il faut lui prêter attention, le contempler.

 Finalement, la question de la réalité historique du St Suaire, les résultats scientifiques hésitants, (malgré un sentiment de piété et de foi auprès de fidèles) sont limitatifs mais cependant nous avons l'assurance de la qualité bouleversante de mysticisme du linceul.

Le Saint Suaire est véritablement un drame sublime pour ses qualités esthétiques évoquant les oeuvres les plus glorieuses de l'histoire de la peinture faites de mystères, de transparences et de lumière spirituelle.. Nous pensons au Christ mort de Mantegna et aussi à ces corps magnifiques de mort et de résurrection, corps de martyrs, de suppliciés qui nous font approcher des profondeurs de l'art et de l'âme.

R.Dumoux
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TRAVAIl DE L'ANNEE 2012

Ma pratique du dessin est quasi quotidienne, permanente. Il est la source de mes gravures, de mes tableaux a tempéra, de mes toiles de 2 mètres comme de mes toiles de 5 mètres à tempéra.

- Le début d'année 2012 a vu la réalisation de panneaux a tempéra de dimensions variées. 16 x 24 cm - 24 x 32 cm- 50 x 32 cm - 64 x 50 cm.C'est une une série de 28 panneaux a tempéra

- Parallèlement j'ai  travaillé à la préparation (les encollages à chaud à la colle de peau) de toiles de 2 mètres ou de 5 mètres. Et début avril, a commencé la réalisation de grandes toiles de 5 mètres x 3.
Chaque année sont abordés des moments de l'histoire de l'humanité, dans cet ensemble monumental peint.

Pour cette année 2012, trois réalisations importantes:
- une scène historique : Clovis
- un paysage, un continent : l'Afrique (-> lire l'article 1 -> Lire l'article 2)
- un aspect de la science : l'Evolution (-> lire l'article 1 -> Lire l'article 2)
Ces 3 toiles panoramiques  de 5 m x 3 chacune, sont réalisées a tempéra.

- Durant les deux mois d'été juillet Aout est réalisé un ensemble important de toiles de 2 mètres également a tempéra.
L'inspiration en est mythologique, historique ou biblique. C'est un  développement à la suite de l'an passé (ainsi qu'une approche de la danse macabre).

- L'automne est maintenant une période de réflexion et de recherches nouvelles. Sur des panneaux préparés à l'aide  des encollages usuels je mets en place des compositions diverses. Les dimensions sont aussi variables (de 60 x 80 cm à 14 x 24 cm). L'ensemble des compositions est inspiré de mes collections de dessins récents. Dans plusieurs cas il y a un passage de l'antique au moderne, de la poésie mythologique aux mythes bibliques. Particulièrement j'ai mis en place une série de 4 panneaux (de 45 x 60 cm environ) de Bacchus à Jésus . Le blé, la vigne et le Vin sont les éléments qui tissent le lien entre le profane et le sacré. Ces 28 panneaux  seront finalement réalisés en 2013.

- En dernier lieu la fin d'année sera consacrée à la gravure. Ce sont des gravures en pointe sèche , des variations à partir de mes dessins et aussi à partir de toiles réalisées et en particulièrement pour les 3 grandes toiles de 5 mètres de cette année 2012.  (voir le diaporama sous le lien gravure www.viapictura.com) Ce sont alors des cuivres de plus grandes dimensions à partir desquels j'effectue des épreuves.  
     

 D'autres activités sont également mises en oeuvre telles que la préparation de toiles aux encollages à la colle de peau, à chaud, y compris pour les grandes surfaces de 15 m2.
Ou encore vernissage des toiles sèches depuis 3 mois au moins : le "vernis " est plutôt un mélange de jaune et blanc d'oeuf à quantité égale, additionné d'une part de vinaigre. Cette opération est vraiment révélatrice des qualités du procédé a tempéra. On découvre ainsi le satiné de la couche picturale, ses transparences et sa lumière sont renforcées. On a l'impression de distinguer la trame de la toile, de la couture de la trame des fils bien visibles, comme si l'oeuvre  était impalpable.
Je retrouve ainsi ce rêve de la peinture lorsque il y a des années  j'ai senti cette peinture immatérielle daans les grisailles de Mantegna ou lorsque j'ai découvert la couture bien  visible au beau milieu d'une toile célébre de Velasquez. C'est cette immatérialité de la peinture que notre époque ne voit pas toujours et rejette. C'est un art qui appelle à la méditation, à la contemplation, à la dévotion comme des tableaux de piété... le rêve de la peinture... Loin de la copie élémentaire d'une réalité directe.
R.Dumoux
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Photos (©viapictura.com) : 

1- "Africa" - tempera - 5 mètres x 3 mètres - Vue dans l'atelier 

2- "Clovis" (détail) - tempera sur toile - 5 mètres x 3 mètres - Toile en cours de réalisation, vue dans l'atelier

Le dessin est une pratique quotidienne et le support que j'utilise le plus souvent est le papier. J'ai toujours accordé une grande importance à ces pages du quotidien en dimensions et matières très variables.

Papier pelure, papier calque, papier Rives Arches ou de Richard de Bas ou bien simplement papier Craft ou papier de nappe en grandes dimensions et divers papiers de couleur... sont depuis toujours les pages libres pour mes  projections, rêves, premières pensées, copies ou  dessins automatiques… Le papier invite à l'aventure, au rêve.

- Le papier est né en Chine il y a plus de 2000 ans. Pendant 1000 ans il reste le monopole du monde Bouddhiste.
L'Islam s'en empare à Samarkand  au VIII ^éme siècle. Le secret de la fabrication du papier sera tenu secret pendant 500 ans jusqu'à la chute des Abassides.
Alors le papier va aborder les côtes d'Italie au XIII ^éme siècle. Il se développera en Europe et au XVI ^éme et il devient l'instrument de la Renaissance occidentale pour l'écriture et les arts figuratifs. Tout cela se produit en Europe après les lentes préparations artisanales du parchemin. Ce papier sera alors produit dans des moulins spécialisés et il est devenu le 1^er produit de consommation de masse, substance fondamentale de notre culture.
Le papier est espace de conception, laboratoire secret. Il appelle notre écriture notre dessein (dessin) notre pensée. Le papier stimule nos neurones…. Tous les papiers sont la page blanche où nous allons écrire notre vie.

- Mais aujourd'hui qu'en est-il?

La révolution numérique remet en cause pour la 1^ère fois depuis 500 ans le pouvoir du papier, support exclusif de l'écrit, de l'image et de la transmission.
Cependant nous n'avons jamais autant consommé de papier que depuis que nous sommes dans l'ère informatique et du silicium.
Le papier demeure l'auxiliaire de nos écrans même s'il ne gouverne pas tout, il est l'auxiliaire indispensable..
On sent bien sûr qu'il nous rattache au passé, à la tradition, en raison de ces nouveaux supports pour faire circuler textes et images à la vitesse de la lumière.
Avec nos écrans naissent peut être les nouvelles formes de création de l'art numérique.
Cependant l'ère du papier c'est la lenteur, la réflexion, la rêverie, la plaisir  et le temps de regarder et de lire.
Il faut un mois pour lire un livre alors que l'ordinateur va le lire et le transmettre des milliers de fois plus vite. Le papier nous accorde le luxe de ne percevoir que quelques images par seconde.
Nous ne pouvons suivre la vitesse du numérique ni la vitesse de création ou de transmission, c'est pourquoi le papier continue de vivre avec nous  car il correspond à notre rythme biologique.
Avec le papier nous prenons le temps, nous rêvons la page blanche de notre vie, qui va se réaliser. Nous prenons le temps d'élaborer lentement une oeuvre avant de la transmettre, ce qui est le propre de l'art. Cela nous le devons au papier, à nos livres, à ce que nous dessinons, écrivons, rêvons.

N. B.
Le papier nous accompagne à chaque instant et nous permet toutes sortes d'expériences grâce aussi à la variété des supports qu'il nous propose. Le papier est une passion commune au dessinateur et à l'écrivain... les petits papiers s'écrivent et se transmettent. Ils sont décorés, vivants, chaleureux, et bien réels, ils nous aident à vivre Les papiers  sont découpés collés fragmentés.. on met bout à bout des feuilles, on utilise des feuilles de 10 m de long. On superpose des papiers transparents vierges ou écrits et dessinés.

On peut regrouper 100 ou mille de mes dessins  et en tirer des variations infinies. C'est un cosmos qui bouge, se transforme se récréé en permanence. Lorsque je dessine une figure, si les jambes ne tiennent pas j'ajoute une bande papier et ensuite je l'encolle sur un panneau pour le peindre. Je colle aussi des éléments divers, textes articles de journaux photos  dessins sur une grande surface et une composition apparait… une narration particulière une histoire tout à fait nouvelle. 
Juxtaposer Découper Coller Superposer et encore Retoucher Rajouter. On peut penser là à la pratique des écrivains à leurs brouillons, à toutes ces manipulations de papiers de fragments de papiers juxtaposés, épinglés, fragments cousus avec des ajouts des corrections.
(Les paperolles de Proust sont un célèbre exemple de ces couper coller.)
Je pense et réalise concrétise tout cela dans mes accumulations de papiers quotidiens dans lesquelles je recueille chaque jour des noms, des textes, des dessins, de personnages, de compositions, des objets, des figures très classiques, hétéroclites, fantastiques, bizarres, religieuses ou très païennes.

Bref, tout ce que j'ai nommé dans un autre article de ce blog comme étant un véritable cosmos où tout vient se télescoper  dans un immense désordre  qui va s'organiser  se bousculer pour se réorganiser et créer de nouvelles pensées… une Pensée.

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Mine de plomb et incisions sur papier - R. Dumoux - ©viapictura.com

Le panorama que je réalise sur l'histoire de l'humanité se déroule depuis le big bang, parcourt les siècles jusqu'à nous et se projette dans le futur avec des perspectives sur la conquête de l'espace ou les nouvelles technologies. Ce sont de 40 à 50 toiles de 5 m x 3 réalisées a tempéra. L'ensemble est intitulé Pictorama.

Une toile historique manquait : l'histoire de Clovis. 
(Cette année 2012 j'ai également exécuté une toile relative à la science :  "évolution" et  une autre : l'Afrique, oeuvres décrites précédemment sur ce blog).

L'histoire de Clovis se situe au 5 ^éme siècle : Clovis est le 1^er Roi Franc Chrétien (466-511).
A partir de là, j'ai effectué des recherches : les batailles, conquêtes ou faits religieux. Il ressort de cette recherche que Clovis est un roi dont le destin est lié à l'installation du royaume des francs et grâce à la foi chrétienne.
Au cours de mes recherches j'ai vu beaucoup d'images, de tableaux, des miniatures. J'ai pu observer le visage de Clovis, de Clotilde, les guerrier Francs. L'image du baptême de Clovis à Reims... Je parcours  un article de revue intitulé: "Clotilde Femme, Reine et Sainte". Une autre image me parle de l'armée franque de Clovis et aussi de l'histoire du vase de Soissons.

Le peintre Natoire a réalisé une toile intitulée: "Saint Rémi apporte à Clovis, la soumission du peuple de Reims".
Dès lors on remarque que, s'il s'agit bien d'états, de territoires, de batailles et de conquêtes, le trait dominant est lié à la religion chrétienne.

D'ailleurs je relis un article  de journal… une biographie dont je note quelques extraits. "Clovis est chef de la tribu des Francs saliens. C'est un guerrier fameux, sans pitié et païen.
Il est vainqueur à Soissons face au chef romain Syagrius en 486. Puis en 496 il remporte une victoire sur les Allamans à Tolbiac."
La femme de Clovis, Clotilde  était chrétienne et grâce à l'évêque de Reims Rémi elle convertit Clovis. Aussi après la victoire de Tolbiac, Clovis (selon son voeu s'il était vainqueur mais aussi en obéissant à son épouse) fut baptisé ainsi que 3000 de ses guerriers francs en 496 ou 498.. Grâce à sa conversion et à son baptême, Clovis réussit à unifier les Francs en régnant sur toute la Gaule, gagna l'épiscopat et ainsi légitima son pouvoir.
 
A l'aide de ces diverses lectures un profil de composition m'est apparu comme on fait un rêve.

J'ai  réalisé des découpages d'articles, de photos, des dessins de détails à partir de tableaux, de gravures anciennes et aussi de miniatures. Ainsi se constitue toute une accumulation de renseignements divers et de figures précises  ou de recherches d'ensemble.
Quelques exemples : j'ai dessiné avec précision le portrait de Clovis, sa chevelure, sa couronne, Clovis à cheval , le visage  de Clotilde, sa coiffure, sa robe. Les brocards de la  chasuble de l'évêque Rémi sont étudiés. J'ai fait aussi une recherche sur l'architecture intérieure de la cathédrale, ses mosaïques ou tableaux. J'ai recherché aussi comment se présente le trésor de Soissons
 Ce dossier me permet de construire une composition. Ce sera à la manière d'un triptyque qui s'ordonne en juxtaposant plusieurs moments essentiels de la vie de Clovis avec des lieux incontournables et les figures essentiels qui accompagnent son destin.

- Ainsi  la partie droite de ce tableau montre le baptême de Clovis. Nous sommes dans la cathédrale de Reims avec l'évêque Rémi qui officie le 25 Décembre 496. Figure en bonne place Clotide.
- Sur le côté gauche , c'est Clovis et les champs de bataille, Tolbiac, Vouillé, Soissons  et l'histoire du célèbre vase de Soissons avec le trésor qui s'amoncelle au bas de la toile…
- Enfin la partie centrale montre le triomphateur, Clovis porté en gloire par un groupe de soldats francs.

 Clovis domine ainsi toute la composition, triomphant entre la foi chrétienne et son activité terrestre et guerrière. Il symbolise la suprématie sur les autres chefs barbares grâce à son alliance avec l'église et il devient le véritable premier roi Franc qui va unifier la Gaule.

La composition générale étant silhouettée à grands traits, il me faut ensuite préciser les figures principales, leur position dans l'espace. Ainsi je réalise un dessin précis au 1/10 éme et puis une maquette colorée à l'aquarelle.  Le  projet pour cette toile étant achevé , je prépare  l'agrandissement au carreau  sur la toile de 5 m x 3 m. S'en suivront l'ébauche colorée et la réalisation finale.

Il sera nécessaire de voir l'oeuvre, sa présentation et également d'observer les détails, leur expression particulière comme par exemple le visage de Clovis lors du baptême : son expression est emblématique à la fois de sa conversion chrétienne mais aussi du regard songeur qu'il porte sur son activité terrestre. Il est comme un visage christique méditant sur la vie et l'activité des hommes.

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"Clovis" - tempera sur toile 5 mètres x 3 mètres en cours de réalisation dans l'atelier - 2012 - R. Dumoux - ©viapictura.com

Vue  du temple de Salomon par Perrot et Chipiez d'après la description d'Ezéchiel

Depuis Salomon : Le Temple. Le Tabernacle. Le Temple de Salomon. Le Temple de Zorobabel.


Dans l' ensemble de mon travail un certain nombre de toiles se rapporte à des thèmes historiques depuis la haute antiquité. Ainsi un certains nombre d'éléments ou de décors et d'architectures sont mis en scène  dans ces réalisations.
Dès les origines les plus lointaines on remarquera des constantes frappantes dans les organisations de l'architecture et donc une permanence.
Depuis l'Egypte, depuis Babylone, en accompagnant Moïse ou Alexandre, il m'était nécessaire de comprendre quelques monuments essentiels de ces civilisations, avant de dessiner.
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Ainsi le 1^er  monument qui a retenu  ma curiosité fut le Temple. Quelle est son origine ?

 1- Le Temple
Le temple des anciens était la résidence terrestre d'un dieu ou d'une déesse. Cette divinité y était honorée par des cultes, des sacrifices, prières, musiques et offrandes. Afin de préserver la bienveillance de la divinité.

Le temple était souvent construit à proximité du palais royal. Il était élevé sur un centre géographique : il était le nombril du monde et avait le pouvoir de vaincre le chaos.
 Ainsi fut le temple de Marduk à Babylone, accompagné d'une ziggourat liant le ciel à la terre. il était construit dans l'alignement du mouvement du soleil et des étoiles, étant ainsi lié au Cosmos.
Au centre de la cour du temple il y avait un grand bassin, une cuve appelée "mer".

Temple et Jardin à Babylone. Les dieux cultivaient un jardin luxuriant et fertile après avoir recueilli les eaux primordiales.
Le dieu Enki, autour de son temple, installe un jardin des délices rempli d'arbres fruitiers et d'oiseaux chanteurs.
Le temple par son ornementation sera le reflet de ce jardin floral. Par exemple les temples égyptiens ont sur leurs parois des scènes de jardin extraordinaires.

Le temple de Salomon déployait une profusion de décors floraux.
L'image du jardin d'Eden qui est souvent présente : Dieu plaça Adam et Eve dans un jardin dans l'Eden. De ce jardin sortait un fleuve qui se divisait en 4 pour irriguer le monde. C'est le thème de la Création et de l'Eden qui est souvent repris dans le temple de Salomon comme dans celui d'Hérode. La cour du temple de Salomon comprenait un un jardin avec des palmiers, des cèdres, des cyprès et un décor sculpté d'arbres. Le temple représentait le Cosmos, les cieux, la terre, la mer et Dieu assujettit le Chaos et impose la création dans son jardin.
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2- LE TABERNACLE

qui contient l'Arche d'Alliance. Durant la marche vers la terre promise, les hébreux se déplaçaient avec l'arche dans le tabernacle.

Sur le Mont Sinaï, Dieu révèle sa Loi et formule l'alliance : il donne les 10 Commandements. Ils seront gravés sur les tables de la Loi et conservés dans l'Arche d'Alliance.

Le tabernacle est un sanctuaire qui contient et abrite l'arche : il consiste en une tente mobile.
Cette tente mesurait 13 m x 4 m 50 : elle était composée de parois en bois et bandes d'étoffe de lin brodé et couverte de peaux de chèvre à l'extérieur.

L'ensemble du tabernacle est divisé en 2 carrés :
- une partie (le Saint) qui sert au culte  des prêtres avec trois éléments : l'autel de l'encens, la table des pains  et le candélabre
- le Saint des Saints qui contient l'Arche d'Alliance.

L'arche est un coffre d'acacia plaqué d'or de 112 x 69 cm Le couvercle était décoré de chérubins d'or. Il y avait deux poignées pour le  transporter. Et ce coffre contenait les tables, de la manne, et la verge d'Aaron.

Telles étaient les 3 parties du tabernacle :
- le parvis à ciel ouvert avec un bassin et l'autel des holocaustes.
- le saint avec le candélabre, la table des pains de proposition et l'encens.
- enfin le saint des Saints contenant l'Arche d'Alliance dont nous venons de parler.

Le Tabernacle servira de modèle pour la construction du temple.

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 3- LE TEMPLE DE SALOMON

Israel devient un royaume sédentarisé sous David (1010- 970) Et il fut décidé de créer pour Dieu une demeure permanente en pierre.

Les 10 siècle depuis David ont vu la construction et la destruction de 3 temples au même endroit.

1-  Le temple de Salomon édifié vers 968 av.JC.  Il fut détruit par les babyloniens et Nabuchodonosor en 586.

2- Le temple de Zorobabel. Il fut construit en 515 av. JC. Il fut remplacé en 19 par le temple d'Hérode (après démantèlement du temple de Zorobabel)

3- le temple d'Hérode construit en 19 avant JC.  Il fut détruit par les romains, par Titus en 70 de notre ère.

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 DESCRIPTION du Temple de Salomon.

Il reprend le modèle du tabernacle mais en plus grand et en pierre : c'est un édifice rectangulaire de 32 mètres x 13 x 9  avec des cours annexes. Le porche regarde vers l'Est.
Il se compose de 3 chambres:

1- le vestibule (le porche) Il mesure 9 m x 4. C'est un espace sans mobilier.

2- la longue nef (le Saint) Il mesurait 18 mx 13 x 9 . Il y avait un autel en or pour l'encens et une table pour les pains de proposition, d'oblation. Il y avait aussi 10 grands chandeliers en bois. Encensoir et bols étaient en or massif.

3- et le Saint des Saints. Cube de 9 m d'arête. C'est ici que l'on place l'Arche d'Alliance. Elle est protégée par 2 chérubins revêtus d'or.
Cet édifice était en pierre avec des revêtements et des panneaux d'or.

- Dans la cour devant le temple se dresse un autel carré en bronze destiné au sacrifice. Il y a un bassin (pour les prêtres) en bronze appelé "la mer", reposant sur le dos de 12 boeufs de bronze. Il y avait encore 10 petits bassins pour laver les offrandes.

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La DESTRUCTION du Temple de Salomon

En 586 avant J.C., Nabuchodonosor et les Babyloniens incendient le temple et pillent les trésors.
Les prophètes avaient pensé que le temple était corrompu par les rites cananéens.

EZECHIEL eut une vision, celle de Dieu trônant sur un char flamboyant, entouré de chérubins à 4 faces : d'homme, de lion, de taureau et d'aigle.
(Cette énumération à elle seule est inspiratrice d'une suite de  4 panneaux  a tempéra, dans le déroulement annuel de mon travail avec l'évocation du Tétramorphe)
Ezéchiel décrit la gloire de Dieu quittant la temple avant sa destruction. Mais avec des promesses de rétablissement d'un sanctuaire  et il va décrire ce temple futur dans sa vision.
Ainsi conformément aux écritures de Jérémie et Ezéchiel, après 18 mois de siège de Nabuchodonosor, Jérusalem tomba et le temple fut incendié.

4- LE TEMPLE DE ZOROBABEL
La destruction du Temple fut traumatisante pour les Juifs.
Mais bientôt Cyrus va autoriser les Juifs à rentrer chez eux et à rebâtir le temple.
De retour à Jérusalem ils établissent un autel et les fondations d'un temple.
Ce fut donc le second temple appelé temple de Zorobabel qui resta le centre de culte de 515 à 19 avant J.C.

(Et à cette date il fut remplacé par le temple d'Hérode  et qui sera détruit par Titus.. ) : ce sera l'objet de mon prochain article.)

 
Vue artistique fantaisiste du temple d'Hérode par Nicolas Poussin

 N.B.Toutes ces notes à propos des temples sont précieuses car elles me servent à dessiner; à imaginer, à resituer  et même aussi à construire des "maquettes" ou modelli  inspirés... ce qui peut devenir pour moi un projet de réalisations en volumes.

R.Dumoux

www.viapictura.com