Le temple d'Hérode  (art. 2)
Il semble nécessaire de compléter même brièvement l'article précédent par un commentaire du temple d'Hérode, (après avoir visité successivement le temple de Salomon puis le temple de Zorobabel).

Maquette du temple d'Hérode à Jérusalem

Surtout connu pour le Massacre des Innocents, Hérode fut un des grands bâtisseurs de l'antiquité et il rénova aussi le temple de Zorobabel. Il a d'autre part édifié 3 autres temples. Et il voulut créer là un ensemble sacré des plus ambitieux du monde ancien, lieu où Jésus va prêcher.

Hérode entreprend la rénovation du temple de Zorobabel en 19 avant JC et ce travail s'achèvera en 63 de notre ère.
Hérode démantèle le temple de Zorobabel et le remplace par une structure neuve. Il en fit un superbe édifice, prodigieux, merveille du monde antique.
Le temple d'Hérode était composé de 3 parties; le parvis, le Saint et le Saint des Saints. Comme pour le temple de Salomon.

La façade était revêtue d'or et mesurait  52 m x 52 , Le portail laissait voir une porte ouvragée. Un grand voile multicolore était à l'entrée du Saint.
Le Saint des Saints formait une grande pièce entièrement revêtue de plaques d'or.

Le mobilier était le même que dans le temple de Salomon :

Le Saint contenait un candélabre à 7 branches, l'autel de l'encens  et la table des pains.
Le voile qui séparait le Saint du Saint des Saints est sans doute celui qui se déchira au moment de la mort du Christ. C'était un voile de brocart : le rideau du temple.
(J'évoque ce voile car il apparaît dans ma toile de 5 m à propos du  monde romain finissant et de la naissance du christianisme.)

Le Saint des Saints  était un cube  de 10m de côté recouvert de plaques d'or martelé, avec la présence de la Pierre de fondation, l'origine de la création du monde, ce bloc de pierre... qui est peut être celui du Dôme.
On voyait dans le Temple une représentation du Cosmos.

Ce magnifique temple d'Hérode fréquenté par le Christ pendant sa vie publique, fut détruit par les romains et Titus en 70 de notre ère.

L'ensemble de ces notes présente sans doute des lacunes et en particulier par rapport au devenir du lieu du Temple. Mais il faut noter qu'il s'agit là de documentations pour un peintre et aussi de suggestions de formes, de décors et d'inspirations colorées  qui sont  essentielles dans la composition et la réalisation de telles oeuvres. (cf : mon ensemble monumental peint de 50 toiles de 5 m x 3).  On remarquera en particulier la forte présence de l'Or, incarnation du spirituel, du sacré.

R.D.
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L'Or au cours des siècles.

De tout temps l'OR fut l'objet de fascination et il fut utilisé dans toutes les civilisations .Il est symbole de la royauté  mais aussi de richesse et de rayonnement spirituel.
Il est intéressant de parcourir l'histoire pour observer  les divers modes d'utilisation de l'Or.

Historique de l'Or.

-Dans l'Egypte ancienne, l'or occupe une place de 1er plan et particulièrement dans la mythologie. : l'OR c'est le SOLEIL, c'est le dieu RÂ. L'or cela signifie aussi maître et Seigneur.
L'Or c'est Neb , cela vient de Nubie pays où est extrait l'or.Les Egyptiens croyaient les dieux faits d'or. Pyramides et obélisques étaient surmontées de pyramides en or.
La tombe de Toutankhamon découverte en 1922  présent un trône incrusté d'or, des chars en or des cercueils recouverts d'or et de pierres précieuses.. Egalement la tombe présente un masque mortuaire d'or incrusté de lapis lazuli  et d'obsidienne.
L'or joue un rôle majeur dans cette préparation au voyage dans l'au delà du corps du défunt au plus humble des objets recouverts d'or.
Plus tard l'usage de l'or en  Egypte s'est étendu à des personnalités n'appartenant pas à la famille royale.(on a découvert des bandelettes recouvertes d'or sur des dépouilles de hauts fonctionnaires.)

-Dans la Grèce Antique l'importance de l'or est à l'origine liée à la monnaie d'Or.
 Thésée en fut à l'origine  et il associe la fondation d'Athènes à la création de la monnaie.  (monnaie apparue chez le Lydiens.
Puis le 1ères oeuvres d'art en or apparaissent à Mycènes avec les masques funéraires  et de nombreux objets en or dans les monuments funéraires.
L'or était attribué à l'oeuvre des  dieux. Pline raconte que l'or entre dans les alliages avec le bronze et l'argent..

(Pline défend la Rome antique qui prohibe l'usage de l'or.)

Dans cette Grèce de l'antiquité l'or entre dans la composition des statues de Phidias.. Pour l'intérieur du Parthénon Phidias a créé la statue chryséléphantine  de Athéna Parthénos.
Cet intérieur du Parthénon ne connaissait pas de culte à l'origine mais servait surtout à conserver les trésors  d'Athènes. Ce lieu était dû à l'architecte Ictinos avec  les décors de Phidias.
Cette Athéna dans le Naos du temple est construite sur une âme de bois  et elle est faite d'or et d'ivoire. Cette statue coûta très cher : l'équivalent de 300 navires de guerre .
L'Athéna fut transportée à Constantinople où elle disparut au 10éme siècle. Car son or  fut utilisé pour payer les troupes.
Phidias  quelques années plus tard réalisa la statue de Zeus d'Olympie  de 13 mètres de haut . Réalisée sur une âme de bois , les draperies  cheveux barbe  étaient en or et le trône incrusté de pierres précieuse. Le Zeus fut considéré comme la 3 éme merveille du monde. Zeus disparait dans l'incendie de Byzance  en 532.

L'Or dans la philosophie  apparait avec le philosophe romain Plotin  (205 270) Il développe la relation entre le monde réel et le monde idéal. Cela permet à l'âme de reconnaitre des êtres du même genre qu'elle.. Il élargit la notion de Beauté  aux discours, aux connaissances ou aux sciences . Tout art est une beauté de l'âme  et la Lumière est la manifestation pure du beau idéal.
L'Or reste beau, isolé du reste des éléments, tel le Zeus d'Olympie de Phidias  selon Plotin.
Plotin associe la Lumière , l'Or  et le Divin. Il fait de l'or l'instrument privilégié de de cette association. L'or a une valeur exemplaire comme la lumière  et ne correspond à aucune représentation.
Selon Plotin l'Or a une valeur métaphysique et esthétique.

Utilisation de l'or dans d'autres civilisations.
    -L'Empire Aztèque détruit et pillé par Cortès:  l'or fut l'objet de toutes les convoitises. En effet les Aztèques ont réalisé des masques en or parfois avec des pierres précieuses.
     Les incas ont laissé de nombreuses  figures en or -
    -Pendant la Renaissance on pille  l'or des panneaux de Crivelli  . On fait aussi brûler des tapisseries pour récupérer l'or des fils tissés.
    -La culture japonaise a utilisé l'Or dans les paravents . (vogue venue de Chine avec les Han) Les paravents se couvrent de plus en plus de feuilles d'or avec des scènes de la vie quotidienne , des saisons  , des oiseaux.
D'autre part la tradition des Bouddhas en or se développe dans toute l'Asie.  Par exemple en Thaïlande on ordonne la réalisation d'un Bouddha en de 16 m de haut et de 340 kilos d'or.

- Enfin actuellement l'interêt pour l'or s'est transformé en une multitude de pratiques où l'or sert avant tout de garantie  à la valeur marchande des objets, sans regard souvent pour la valeur esthétique ou spirituelle. Il semble bien de collectionner, arrosoir, moellon, casserole ou vélomoteur recouverts d'or et autres objets témoins d'un niveau de vie , d'un luxe chic et parfois  kitsch.


R.Dumoux
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Extrait  R.Dumoux www.viapictura.com

FLUXUS

Il y a 50 ans, (à partir de 1950) naissait un mouvement développant de nouvelles attitudes en art.  S'expriment alors des théories, un journal, des éditions-diffusion, descriptions d'oeuvres et des expositions.
Cela ne paraissait pas devoir être un intérêt durable car il s'agissait d'un groupe très disparate avec des oeuvres éphémères, bon marché, marginalisées. De plus tout paraissait inorganisé face au Pop Art, au Nouveau Réalisme ou au minimalisme soutenus par galeries et institutions.
Fluxus est un désordre radical décourageant. Les leader furent : Maciunas , Higgins , Vostel. mais les membres restaient très indépendants. Dans ce mouvement il n'y a pas de leadership, pas de stratégie bien nette. Tout semble inopérant. et l'observateur est embarrassé devant le manque d'information. Et puis la littérature de Fluxus est le plus souvent un discours de la faillite du discours ! ! ! On ne parvient pas à trouver une définition.

Cependant on peut se mettre d'accord sur une suite de noms et d'évènements tels en 1962 la rencontre de Ben Vautier et Maciunas ou trouver les éditions de Fluxus  ou encore la tournée européenne des festivals en 1962. Cependant dans ces récits il y a des éléments contradictoires.

Pour tenter de définir Fluxus : il ne s'agit pas d' un mouvement artistique au sens habituel mais d'une sorte de réponse à un besoin, à des besoins disparates. On y recherche à définir des attitudes nouvelles vis à vis de l'art.
Le fonctionnement de Fluxus repose sur la monstration, l'édition, la diffusion et la critique de l'histoire. Fluxus produit un nombre considérable de textes d'artistes.
PostFace est le texte fondateur (1964)  et l'auteur est Dick Higgins qui a cette maison d'édition créée dans ce but.
Dans ce texte sont analysées les activités des néo-avant gardes, puis une série de biographies individuelles sont traitées. L'auteur décrit les événements Fluxus en Europe, un journal de voyage et des considérations sociales. Il souligne l'enseignement de John Cage. Il parle aussi de la querelle entre Maciunas et Vostell.

Higgins inscrit Fluxus dans un cadre américain. Postface est comme une conclusion qui dit que l'expérience collective commencée en 1958 s''achève. Aussi, il appelle à un réinvestissement dans les pratiques de chacun  comme maturation.  D'autres articles furent publiés par Fluxus en 1970 et 1980 avec aussi des catalogues d'expositions. Par ce biais on parvient à un meilleure homogénéité de la démarche de Fluxus. Surtout à partir de l'exposition de Cologne en 1970 et en 1990 avec le catalogue de la Biennale de Venise.

A remarquer que les initiatives pour ces publications appartiennent aux artistes. Ils produisent directement du producteur au consommateur. Les artistes dépossèdent les historiens et s'approprient des outils du commentateur.



                     LES ARTISTES  ET LES OEUVRES.

Ben Vautier s'expose comme objet d'art dans une vitrine à Nice.
Nam June Paik se montre en violoncelle humain et Charlotte Moorman est la musicienne avec son archet.
Yoko Ono, vêtue de noir  invite les spectateurs à monter sur son estrade pour découper des morceaux de son vêtement. Cette action fut reprise récemment.

Il s'agit d'expression directe  et immédiate. Ce sont des jeux de mots  ou parfois des calembours saugrenus et il faut mettre è l'épreuve le spectateur. Les artistes de Fluxus cherchent à sortir  la création du circuit économique classique et le geste devient une expression de la liberté de l'esprit. On veut aussi court-circuiter la chaîne commerciale en changeant les lieux d'intervention et les modes de production ou de présentation.
Pour Fluxus il s'agit  de court-circuiter la chaîne commerciale et le objets fluxus sont fabriqués à la demande.

Le  fonctionnement est ainsi :
- Utilisation de l'art postal: en faisant circuler dans le monde des cartes postales des collages,  paquets surprise.
- On produit aussi de multiples publications de livres d'artistes, de revues de catalogues; qui peuvent remplacer la production plastique.
- Une boutique  galerie est ouverte à Villefranche sur Mer par Robert Filliou et George Brecht ; on y produit des poèmes, des objets, on parle, on fait des jeux, des rebuts etc. Ce sera " la cédille qui sourit"

Fluxus reste un Mythe. Des créateurs actuels s'en réclament encore. Ce sont certains artistes pour qui les incidents banals de la vie courante, les jeux ou l'humour, font partie de la scène artistique.

            Mais aussi, Fluxus signifie : le flux,  c'est le flot, la Vague, la Naissance, l'eau qui jaillit, le monde sous marin infini, ou encore la conque et le  bénitier.
 En effet, pour mon travail, une création va naître. Une toile de 5 mètres x 3 dont la composition déjà s'ébauche dans ce rêve de la vie qui nait , se renouvelle en permanence.

Première pensée : Quelques lignes courbes et ondoyantes suggèrent au centre de la composition : une figure féminine, une  naissance et une conque ou coquille St Jacques géante d'où jaillit l'eau. Alentour, le paysage environnant représente l'abysse des mondes sous marins avec son obscurité prégnante et ses organismes et animaux multiples, ou peuples de méduses, coraux, pieuvres ou encore animaux aux formes extravagantes, transparents, translucides. Des créatures abyssales aux couleurs intenses, bio-luminescentes et aussi armées de photophores qui créent une lumière comme des phares.

Tout cet univers, le plus grand espace terrestre de vie, fascine dans sa noirceur impénétrable.

R.Dumoux
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Travail Hiver 2012- 2013

Ce travail de peinture pure se déroule sur environ 4 mois … Il est réalisé sur des panneaux marouflés de belle toile, avec des préparations au plâtre et à la colle de peau, élément naturel à l'origine  de toute la peinture occidentale  (depuis l'antiquité,  l'enluminure carolingienne, les polyptyques  jusqu'au 19 éme siècle). Au long de ce blog j'ai écrit des articles complets relatifs aux procédés précis de ce métier.

Ainsi selon les saisons et en particulier avec l'hiver, il y a un retrait, une intériorisation qui me conduit à un travail plus méditatif et de dimensions plus restreintes que les grandes toiles de 5 mètres, certains panneaux n'excédant pas les 20 cm. Les 25 à 30 panneaux préparés et poncés, les mises en place sont effectuées au fusain puis dessinées avec précision à la pointe de métal ou à la mine de plomb 5 ou 6 H. S'en suit l'ébauche colorée, l'imprimatura, avec des jus très liquide  au blanc d'oeuf et vinaigre et enfin la réalisation proprement dite a tempéra.(saturation de la couleur par couches successives, contrastes, lumières, accents et rayons lumineux blancs ou dorés.)
Les compositions  se rapportent à des éléments biographiques, à des interprétations, inspirations historiques, bibliques, mythologiques ou paysagères et allégoriques. Certaines séries développent l'idée de collection de curiosités.
La plupart des  compositions sont issues directement de mes catalogues de dessins.
(un article sur ce blog a été mis en ligne à propos des mes dessins considérés comme une accumulation, un répertoire de toutes les données et figures  possibles et en développement, constituant un Atlas Cosmique.)

Le plus important dans cette pratique picturale est une réelle profondeur, une Vérité. C'est à dire qu'il fait référence au métier immémorial des anciens maitres du tableau, de la tavola, et de sa préparation. Ce métier est Vrai et constitué d'éléments naturels d'origine minérale ou végétale. On peut évoquer  les peintres miniaturistes, les scribes et copistes, le peintre a tempéra  jusqu'à la peinture à l'huile. Il y a cette progression d'un procédé très maigre sur le fond au plâtre et à la colle chaude, jusqu'à un liant plus gras pour devenir huileux et enfin résineux.
Les artistes auxquels on pense sont Fra Angelico, Dürer, Cimabue,  Piero della Francesca, Masaccio etc et tous les primitifs nordiques.

On parle volontiers, de façon confuse dans la peinture actuelle, d'artistes qui se soucient de l'histoire de l'art ou du métier. Mais en regardant les oeuvres, il y a souvent une grande confusion et on ne parvient pas à saisir la vérité. Les miniaturistes immenses et multiples de tous les continents et civilisations ne sont pas ou peu cités, pas plus que Giotto par exemple. Tout cela est étrange et peu convaincant car il y a un vide entre le discours tenu et les réalisations. Alors qu'en réalité tout est simple si on consacre des années ou décennies à approfondir et à expérimenter toutes les "recettes" du métier… 
Les années d'expérimentation sont les conditions impératives pour de telles oeuvres de même que les encollages ou préparations à chaud de grandes toiles ( la tela de Carpaccio) sont une besogne lente, laborieuse, ainsi que les couches superposées et  transparences,  source de Lumière ..

Dumoux
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Détail d'un panneau préparé et dessiné, avant l'ébauche colorée - R. Dumoux © viapictura.com

L'ATELIER de RAPHAEL

On connait la biographie de Raphael, d'Urbino à Florence et ensuite la conquête de Rome. A Rome il participe à la décoration des appartements du pape Jules II. Il va représenter sous forme d'allégories les domaines de la Connaissance : la Théologie, la Poésie, la Jurisprudence. La 1^ère scène peinte sera l'école d'Athènes le plus célèbre symbole de la Renaissance italienne. En 1511 il commence le décor de la chambre d'Héliodore. Il y a là un programme iconographique avec des scènes historiques montrant l'intervention divine en faveur de l'Eglise. Par exemple la rencontre du pape Léon 1^er et d'Attila.

A ce moment les surfaces à couvrir sont importantes et les délais parfois brefs. Alors Raphael doit s'organiser et il va créer un atelier avec des assistants.
Comment fonctionne cet atelier? Tout d'abord Raphael se réserve l'invention des scènes, les figures,les compositions et les détails. Egalement il intervient à la fin du travail des apprentis pour corriger achever les visages par exemple ou des lumières ou contrastes plus personnels. Les assistants réalisent les cartons  à partir des dessins du maître,  ils les reportent sur le mur et participent aussi à l'exécution mais sous le contrôle du maître.

En 1515 le pape Léon X lui commande l'illustre "incendie du Bourg." et puis en 1516 il est chargé d'exécuter 10 grands cartons (qu'il réalisera  seul)  de tapisserie des Actes des apôtres et le pape lui demande aussi de veiller à la conservation des monuments antiques, en faisant des relevés. Travail considérable qui oblige Raphael à déléguer une grande partie de son travail à l'atelier. Raphael doit également répondre à la demande de retables et de portraits.

L'organisation de l'Atelier de Raphael.
Vers 1513 l'atelier de Raphael prend une grande envergure. Il ne travaille jamais sans aide. Ses assistants préparent les toiles et panneaux font les couches préparatoires d'encollages et de préparations, et toutes les taches nécessaires à l'élaboration de l'oeuvre, telles que les agrandissements. Et même à la fin de la période romaine ils contribuent à la conception et à l'exécution.

Dessin - R. Dumoux © viapictura.com

 

Les deux principaux  assistants sont Giulio Romano et Gianfrancesco Penni. A la mort du Maître ils seront les principaux héritiers de l'atelier et des biens. Ils poursuivront les oeuvres inachevées et répondent aux commandes et contrats. Après la mort de Raphael, Romano et Penni laissent apparaitre des qualités personnelles, une personnalité.
Il y eut une entente exceptionnelle entre ces assistants et Raphael. Le maître semble céder la place à Penni pour les modelli et cartons : il esquisse l'idée de la compositionfait les croquis en sanguine ou à la pierre noire, puis l'assistant les met au propre : il traduit les inventions et cet assistant, brille par sa maîtrise. C'est le cas de l'illustre Grand St Michel : le modello est de Penni.

De  cette grande et riche proximité  dans le travail  entre le maître et ses assistants, va naître un style d'atelier. Romano et Penni sont cités conjointement dans divers documents de commandes ou de réalisations.

La production de l'atelier est très homogène et Raphael fait très souvent référence à ses assistants. On laisse entendre que les trois artistes sont les auteurs  d'un même style comme d'une seule main.
Mais parfois telle commande montre que Raphael s'est très impliqué  dans l'exécution.
On comprend ainsi qu'il y a là un paradoxe, une contradiction entre la notion de style d'atelier et la pratique unique qui valorise la seule main d'un créateur.


Ce développement de l'atelier de Raphael est du à la demande pressante mais pour Raphael il est aussi consécutif à une vue de l'esprit. C'est à dire que Rahael critique la délégation du travail et met l'accent sur la conception originale plutôt que sur la notion de l'exécution.
Ce fonctionnement de l'atelier où le maître délègue la réalisation aux assistants, ne se chargeant que de la conception, cela fait penser aux pratiques de l'art industriel de nos jours.
On peut presque penser aux réalisations de Jeff Koons ou encore aux énormes pièces d'usine de Richard  Serra. En effet toutes ces pratiques recherchées actuellement sont opposées aux idées dites post Renaissance, de toute façon opposées à la réaiisation de l'oeuvre originale personnelle.
Cependant ces oeuvres énormes et de grand coût bien qu'impersonnelles ont droit d'existence mais elles ne doivent pas rejeter la création personnelle de l'auteur unique.

R.Dumoux
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Travail de l'hiver 2012- 2013
Ce travail de peinture pure se déroule sur environ 4 mois … Il est réalisé sur des panneaux marouflés de toile et recouverts de couches de préparations au plâtre et à la colle de peau, élément naturel à l'origine de toute la peinture occidentale  (depuis l'antique, l'enluminure carolingienne, les polyptyques jusqu'au 19 éme siècle) 
(Au long de ce blog j'ai développé des articles complets relatifs aux procédés précis de ce métier)

Ainsi selon les saisons et en particulier avec l'hiver, il y a un retrait, une intériorisation qui me conduit à un travail plus méditatif et de dimensions plus restreintes que les grandes toiles de 5 mètres , certains panneaux n'excédant pas les 20 cm. Les 25 à 30 panneaux préparés et poncés, les mises en place sont effectuées au fusain puis dessinées avec précision à la pointe de métal ou à la mine de plomb 5 ou 6 H. S'en suit l'ébauche colorée, l'imprimatura, avec des jus très liquides au blanc d'oeuf et vinaigre et enfin la réalisation proprement dite a tempéra. (saturation de la couleur par couches successives, contrastes, lumières, accents et rayons lumineux blancs ou dorés.)

Les compositions relèvent d'inspirations personnelles, autobiographiques, de souvenirs personnels et également de rapports à l'histoire, à la mythologie comme à l'art sacré ou à l'allégorie et au paysage symbolique. 

Certaines séries développent l'idée de collections, de curiosités.
La plupart de ces  compositions sont issues de mes catalogues de dessins.
(un article de ce blog a été mis en ligne à propos des mes dessins considérés comme une accumulation, un répertoire de toutes les données et figures possibles et en développement, constituant un Atlas Cosmique. -> lire l'article)

Cette pratique picturale est d'une réelle profondeur, elle est la Vérité. C'est à dire qu'elle fait référence au métier immémorial des anciens maitres du tableau, de la tavola et de sa préparation.
Ce métier est Vrai et constitué d'éléments naturels d'origine minérale ou végétale. De même les étapes successives de la réalisation sont bien définies et se déroulent selon un ordre naturel. On peut évoquer  les peintres miniaturistes, les scribes et copistes, le peintre a tempéra  jusqu'à la peinture à l'huile. Il y a cette progression d'un procédé très maigre sur le fond au plâtre et à la colle chaude, jusqu'à un liant plus gras  pour devenir huileux et enfin résineux.

Les artistes auxquels on pense sont Fra Angelico, Dürer, Piero della Francesca, Masaccio, Cimabue ... et tous les primitifs nordiques.

On parle volontiers de la peinture actuelle et d'artistes qui se soucient de l'histoire de l'art ou du métier. Mais en regardant les oeuvres, il y a souvent une grande confusion et on ne parvient pas bien à saisir une vérité.

Les miniaturistes immenses et multiples de tous les continents et civilisations ne sont pas ou peu évoqués, pas plus que Giotto par exemple. Tout cela est étrange et peu convaincant car il y a un vide entre le discours tenu et les réalisations. Alors qu'en réalité tout est très simple si on consacre des années ou décennies à approfondir et à expérimenter toutes les "recettes" du métier… 
Les années d'expérimentation sont les conditions impératives pour cela, de même que les encollages ou préparations à chaud de grandes toiles (la tela de Carpaccio) sont une besogne lente, laborieuse dont il n'est jamais question dans l'art actuel pas plus que des couches superposées et des transparences, source de Lumière ...

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"Variété de portraits" - tempera sur panneau - 65 x 40 cm - 2012 - R. Dumoux © viapictura.com

"L'ANTIQUE EST MA JEUNESSE"

Ce mot de Rodin évoque la recherche des cultures du passé et leur Beauté. Ce sont des passions primordiales mais aussi des sources d'inspiration inépuisables et d'une grande actualité. Cela vaut pour l'étude de l'Antiquité pratiquée par Rodin.
J'ai aussi exprimé cette conception  très récemment à propos des miniatures médiévales flamandes par exemple :  celles de Jean Le Tavernier d'Audenarde que j'étudie abondamment mais aussi de Jean Fouquet ou Jean Bourdichon. Je citais également les miniatures et enluminures asiatiques, arabes ou le musée du Topkapi comme les enluminures persanes. Autant de sources qui s'alimentent également à l'antique.

C'est une Terre d'abondance, pays de Canaan (Terre Sainte où coule le lait et le miel) à laquelle nous aspirons au sortir de notre désert, à la fin de cette nuit obscure où commence à luire l'Etoile.

A Arles, le Musée départemental propose une monumentale exposition de 250 oeuvres à la fois de Rodin et de l'Antiquité. A méditer, à dessiner… ! Une vérité essentielle.

N. B On peut évoquer à ce titre aussi les collections innombrables répertoriées de Rodin autour de l'Antique, la richesse incomparable des fragments collectionnés et les suggestions de compositions et figurations ou éléments divers qu'il a assemblés et aussi créés.  Autour de ce travail de Rodin une exposition fut organisée en 2002 au Musée Rodin

Le 6 Avril 2103

R.Dumoux

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Tempera sur toile  200X300 cm - © R. Dumoux

préparation-mise en place pour un panneau a tempéra R.Dumoux www.viapictura.com

ARTISTES CONCEPTUELS ET ŒUVRES ACTUELLES
(Article en écho à un texte de Erik Verhagen) (art pers Dec . 2012)

Les conceptuels ont été illustres dans les années 60 et 70. Dans les années 70 on a pu voir de nombreuses expositions de conceptuels (Anne Darboven, Jan Dibbets ou Robett Filliou par exemple) Et puis ils furent délaissés par la critique et les institutions. Leur travail réapparait maintenant à cause d'oeuvres d'art contemporain de suiveurs en nombre  qui s'en inspirent directement.
On peut louer la volonté et détermination des artistes des années 60- 70. A cette époque on s'est mis à bousculer les idées de l'art moderne abstrait par exemple. En face il y eut de fortes résistances et des incompréhensions. Les artistes à l'époque furent très isolés mais cependant persuadés de l'intérêt de leur travail.

Ces oeuvres actuelles inspirées des démarches des années 60 manquent d'originalité et d'invention. On peut même remarquer souvent qu'il s'agit de travaux d'école, des travaux d'élèves. C'est comme UN ART INFANTILISE. Et en ce sens, souvent, il est fait pour amuser et divertir. On a pu citer pour cela : Jonathan Monk, Cattelan, Abdessemed, Murakami ou Damien Hirst.
Selon Barber : "c'est un "ethos" infantile qui préfère le facile au difficile, le simple au complexe et le rapide au lent"
(L'art conceptuel a préfiguré cette tendance, au moment du capitalisme changeant en proposant des services de sociétés plutôt qu'un produit)

Cette infantilisation de l'art qui définit notre époque sert à des propositions artistiques telles que : le Tobbogan de Carsten Holler ou le travail de Gréaud Loris. On distrait ainsi le public de façon amusante et parfois les manifestations d'art contemporain font penser aux animations de parc d'attraction.
On a pu dire que l'amateur de cet art est un adolescent qui recherche des sensations fortes, des amusements avec ses copains. Ainsi dans ce domaine de l'art il y a une grande variété de jeux possibles, avec des  mouvements de lumières éclatantes, des fumées, des bruits énormes : on est toujours impressionné ou on a peur ou bien on peut se vautrer sur des coussins au sol de façon conviviale pour rêver avec des jeux lumineux aux formes suggestives. Ou bien encore on s'égare dans un labyrinthe de spots lumineux suggérant l'infini, l'espace étoilé..Tout cela est très ludique.

Les artistes actuels ont privilégiés citations et emprunts directs de ces artistes des années 60 et 70. Souvent il s'agit d'une banalisation superficielle de ces oeuvres, un travail médiocre de suiveurs , d'académie.
Cette banalisation est une mode obligatoire à laquelle on n'échappe pas, et elle est soutenue par un marché qui est très demandeur.
Toutes ces oeuvres scolaires et répétitives constituent comme une forêt de broussailles. Ainsi envahi, l'art est devenu incompréhensible sans rapport avec la vérité du monde. Seul l'argent est son maître et commande en grand nombre des productions infantilisantes qui seront appelées à meubler les très nombreux et immenses musées de la planète.
Souvent devant ce travail, me vient à l'esprit l'image de résidus de scénographies où tout est disparate, équivalent.

Mais alors où se cache l'Art ?  là où il y a du travail, du métier, de l'étude difficile, de la lenteur, du temps de l'âge et souvent du manque de soutien.

R.D.
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N.B. Notes étonnantes et réflexions collectées ici où là au cours de lectures de textes sur l'art ou de critiques :

- On cite parfois la nature de "croûtes" des peintures de Gerhardt Richter.
- L'art actuel est une industrie attractive. On utilise de petites propositions plastiques d'école héritées de figures du passé pour réaliser des notoriétés et des transactions financières.
- On a voulu rendre l'art contemporain légitime en disant qu'il fallait l'expliquer. Et Finalement c'est une erreur car il n'y a pas eu de résultat .
- Enfin il faut réhabiliter des valeurs aussi accablantes que le génie, l'inspiration, le talent.
- Lire, étudier l'histoire et s'interroger sans indulgence.

Multiplication et diffusion des images.

(Je fais référence à un article de Chris  Sharp  art pers 395 en y exprimant mes expériences et réflexions personnelles.)

Actuellement  photos, blogs, revues, vidéos, galeries, sites internet, réseau sociaaux, produisent toujours plus d'art, de plus en plus.
C'est un bouillonnement actuel où tout se mixe comme une grande soupe où tout se délite. Les possibilités d'exposition et de circulation de l'art sont de plus en plus diversifiées et de plus, de fausses expositions offrent des possibilités infinies.
Des blogs  (tel Contemporary ART Daily à Chicago) sont très courants très répandus et avec eux on consulte à domicile plutôt que de voir des expositions en réalité. On peut visiter de fausses expositions.
C'est une production immense  comme si cette activité proliférante était devenue depuis 10 ans la principale activité de l'humain sur terre. L'abondance de cette production est devenue grotesque.
Autre exemple : l'auteur de l'article , Chris Sharp, relate l'expansion hypertrophique de Chelsea à New York : l'idée d'abondance a des proportions monstrueuses. Les galeries ont des proportions de musée des dimensions semblables à des palais et d'une richesse inouïe.
Il y a aussi l'explosion des publications qui produisent une myriade de périodiques qui nous dépasse et que tout lecteur même le plus  assidu ne peut couvrir.

Cette prolifération est à la fois, cause et effet de la multiplication des modes de circulation et de communication. Ce sont deux proliférations qui se multiplient l'une l'autre.
Les communications , les satellites, portables, réseaux sociaux et les trains grande vitesse, les avions constituent le réseau de circulation hyper développé de l'humanité sur toute la planète. C'est  un labyrinthe infiniment complexe de tunnels de circulation, le long desquels se propage la communication et l'art, provoquant d'autres connexions.

C'est comme si la principale activité humaine se déroulait dans ces parcours de plus en plus complexes.
Qu'il s'agisse de création ou de communication nous sommes devant une prolifération qui frise au grotesque, à l'outrance, excluant la Pensée, l'Inspiration ou le Génie.

Il s'agit là d'un phénomène énorme de ce début du XXI éme siècle qui  risque d'aboutir à un art basique et du quotidien, distrayant, ludique, et proche des parcours des centres d'attraction, assurant jeu et  convivialité entre les jeunes gens. Tout cela se déroule dans un vaste embroussaillage bruyant, non dépourvu de charme superficiel.

R.Dumoux
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Les MAYS de Notre Dame de Paris.

Pourquoi cet intérêt pour les Mays à l'époque de Buren, Jeff Koons ou de Kieffer pour parler "peinture" ?

L'esprit, le vent souffle où il veut. Rien ne le retient. Les Mays, loin des collages de la réalité, des assemblages spectaculaires pour grand public festif jeune, à l'écart aussi des effets technologies des médias qui d'un coup de clic couvrent la planète, les Mays sont cachés, peu visibles, il faut les découvrir.

Au cours des siècles, la cathédrale Notre Dame fut le réceptacle d'un trésor pictural : 120 tableaux furent exécutés pour la cathédrale (maintenant une vingtaine seulement sont visibles dans la cathédrale)
Les grands Mays de Notre Dame représentent un ensemble pictural cohérent où les sujets sont imposés, dirigés et les dimensions demandées car ils devaient être accrochés dans la nef.

"Des Romains au golgothe" toile a tempera 5 mètres x 3 mètres - ©viapictura.com - R. Dumoux  - 2013

 
L'origine des Mays se déroule depuis l'offrande d'un arbre jusqu'au tableau de dévotion.
1er Mai 1449 : Il y eut l'offrande d'un arbre vert devant le maître autel de Notre Dame par la confrérie de Ste Anne. C'est un acte de Dévotion envers la Vierge qui se prolonge dans la réalisation d'une châsse de grande préciosité par deux maîtres orfèvres. Cette châsse devait accueillir les reliques de St Marcel. L'offrande au maitre autel de Notre Dame se transforme donc . On abandonne le dépôt de l'arbre pour un petit tabernacle suspendu à la voûte. Et alors on y joint des poèmes ou des vers. Puis à partir de 1533 le tabernacle est décoré de peintures inspirées de l'ancien testament en 1533. Et en 1608 les sujets changent  et on va les renouveler tous les ans (tels les tableaux de la vie de la Vierge.)

Apparition des Grands Mays  au 17 éme siècle. C'est l'arrivée des reliques de Ste Anne en 1620 fixe les nouveaux modes de présentation des Mays et cela va favoriser les nouvelles créations et commandes.
L'offrande consacrée à Marie est exposée dans le choeur puis à l'extérieur puis dans une chapelle et enfin  dans la Nef. Cette localisation dans la Nef est nouvelle et elle va déterminer des mesures précises aux oeuvres. La confrérie se décide à faire réaliser un seul grand tableau par an  qui doit illustrer un épisode Actes desApôtres.

La tradition des Grands Mays de Notre Dame débute en 1630 avec lé tableau de Georges Lallemand: "St Pierre et St Jean guérissant. à la porte du Temple"
Au total en 1707 , 76 tableaux sont en place  jusqu'à la Révolution. 13 tableaux demeurent en place aujourd'hui. Car ils sont dispersés, 14 Toiles sont au musée d'Arras. , d'autres au Louvre , dans les églises de Paris et certains détruits. Tous ces tableaux sont une anthologie de la peinture religieuse du 17 éme siècle et en même temps un panorama de la peinture religieuse et des peintres les plus connus au 17éme siècle. On découvre ainsi: Georges Lallemand, Jaques Blanchard, Charles Lebrun , Lahyre , Bourdon, Courtin. Ces peintres avec leurs tableaux accompagnent les reliques et permettent de vivre la Foi à un moment où l'image religieuse est essentielle.

Les Thèmes. Ils ont extraits des Actes des Apôtres et du nouveau Testament. Ils sont tous issus des textes bibliques. St Pierre et St Paul inaugurent la série des grands Mays. et l'hstoire de St Paul est la plus  représentée. La guérison du paralytique de Jouvenet  fait partie d'un cycle de 18 épisodes directement liés à la Vie du Christ…. :la résurrection de Lazare , les noces de Cana, Jésus chassant les marchands du Temple,Jésus guérissant des malades. D'autres tableaux évoquent la vie de la Vierge. ou encore l'histoire de Pierre et Paul.Les toiles se rapportant à la vie de Jésus démontrent les hauts faits.. Les grands Mays accompagnent de façon spectaculaire une démarche d'offrande: ils présentent un retour à la vie des apôtres et une puissante vision de la Foi.

Les Mays : Exemples de tableaux.
- Lallemant  : St Martin donnant son manteau au pauvre.
- Jacques Blanchard : la descente du St Esprit
- Laurent de la Hyre :  St Pierre guérissant les malades de son ombre . La conversion de S t Paul.
- Charles Poerson:  La Prédiction de St Pierre à Jérusalem
- Sébastien Bourdon: Crucifixion de St Pierre.
- Charles Le Brun: Lapidation de St Pierre .
-L e Sueur: prédication de St Paul à Ephèse.

Autant de noms illustres de la peinture au 17éme siècle et de titres évocateurs des grandes inspirations sacrées qui maintenant s'imposent à notre pensée.

Toute la recherche dans mon travail de peinture s'appuie sur ces visions puissamment expressives et m'invitent à penser, à composer, à dessiner, à peindre ...

"Saint Louis" ébauche pour un panneau a tempera - ©viapictura.com - R. Dumoux  - 2013

R.Dumoux
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N.B. En 1634 Roger de Piles , fait l'éloge du tableau de Blanchard:  "la descente du St Esprit"

L'Evolution, Les premiers hommes. Les premiers temps de l'humanité. (art.1)

Cette question se rapporte à une recherche que je suis en train de mener en vue de la réalisation d'une toile monumentale de 5 mètres x 3. Relativement à la préhistoire, aux premiers temps de l'humanité.
Il est question des origines de l'humanité. Inévitablement on pense à l'évolution, à Darwin. La face de l'homme de Néanderthal ou de Cromagnon est pour moi comme une apparition. Je l'ai dessiné déjà et peint dans un petit panneau a tempéra.
Le darwinisme ce sont aussi les passages de la nature à l'humain, les fusions de la roche du végétal jusqu'à l'embryon, à l'être vivant animal puis au pré humain. Quelles suggestions ces quelques mots font surgir du magma informe! ou du gribouillis, du blanc du papier.

- Cromagnon mais aussi le temps des 1^ers homme d'Abel et Caïn. On repense à la légende des siècles de Hugo et au tableau de Cormon du musée d'Orsay. Le temps des premiers hommes est aussi le temps du premier Crime de l'humanité.
Durant cet été 2011 j'ai réalisé un toile a tempéra de 2m 50 à propos du meurtre de Caïn. Abel et Caïn les deux frères protagonistes de ce 1^er drame de l'humaine condition sont ainsi dépeints : Caïn est un agriculteur sédentaire. Il cultive le sol. En fin de saison, Abel apporte l'offrande ses bêtes au Seigneur et Caïn apporte les fruits et légumes de sa terre. Le seigneur regarde Abel seulement et Caïn en fut irrité et très abattu. Le Seigneur lui dit que c'est ainsi que le péché est assis à sa porte. Et lorsque Abel et Caïn, furent dans les champs, Caïn attaque Abel et le tue. Le Seigneur lui dit qu'il était maudit, que le sol ne lui donnerait plus sa force ni ses fruits. Il sera maintenant errant et vagabond sur la terre.
Cet acte de Caïn est le crime primitif, Caïn est le 1^er homme préhistorique dans toute sa violence de bête sauvage. Il représente les 1^ers temps de l'humanité. Le Caïn du peintre Cormon au musée d'Orsay nous le montre dans une débauche de peaux de bêtes, de poutres grossières, de bassins de cuivre et de poignards. Cormon a peint un manifeste préhistorique.
Ce Caïn est un vieillard tragique qui représente l'homme primitif livré aux instincts les plus violents et la plus sauvage animalité. Ces images rejoignent les idées et théories de Darwin sur l'origine de l'humanité.

- Le corps d'Abel c'est aussi l'expression du cadavre en art que l'on retrouve et que j'observe dans Falguière (la mort d'Abel), James Tissot ou Donatello et toutes les visions sombres que les artistes vont continuer de développer.
Cette évocation d'Abel et Caïn observé chez les artistes m'a conduit inévitablement à la 1^ère humanité, à ses visages mi-homme mi-animal, aux passages entre les règnes de la vie et aux mutations.

- J'ai réalisé des ensembles de dessins représentant l'homme animal ou l'animal humanisé, inspiré parfois par les dessins de Le Brun. J'ai aussi dessiné des plantes des formes d'algues qui peu à peu émergent en arborescences et puis en arbres gigantesques dans un paysage qui assure le passage entre la vie aquatique et la vie terrestre.
J'ai  repris des dessins de suppliciés, de têtes coupées inspirés de Viertz, des meurtriers  ou des portraits de Daumier. Je me suis intéressé à la physiognomonie de Lavater et à la phrénologie de Joseph Gall et à Lombroso et à la criminologie ce qui m'a permis de dessiner des hommes animaux ou l'expression des bosses du crâne, celles du crime. Les dessins de Grandville  sont également inspirants. De même les études de Camper sur les physionomies. J'ai réalisé de multiples dessins évoquant les expressions particulières des péchés capitaux, inspirés de Grandville. En effet l'envie, l'orgueil, la gourmandise, la paresse, la luxure, l'avarice , la colère suggèrent des transformations du visage, des mutations très intéressantes dans le cadre de cette recherche sur les 1^ers hommes. Il y a aussi dans mes dessins, les mutations jusqu'à la mort avec des représentations de vanités et des crânes. Crânes des recherches archéologiques, ossements et fossiles sont aussi une approche des 1^ers hommes.

Recherche dessinée en vue d'une composition pour une toile de 5 mètres x 3 m. - © R. Dumoux - 2012

- A tout cela peut se joindre toute une suite d'études sur le post humain, sur l'homme robot et la nouvelle  évolution de l'humain.

         Une composition va se dégager  de ces  indications, notes écrites et dessinées en nombre figurant dans mes catalogues de dessins précis.
Il me semble que si la plupart des mes toiles précédentes furent composées à partir de schémas de construction bien déterminés, dans ce cas j'imagine au contraire un désordre, une paysage informe  d'où vont naître les embryons de la vie, de façon anarchique. Comme une accumulation qui n'a pas de finalité bien déterminée. Les formes de la vie naissent, se développent, se transforment deviennent autre ou disparaissent. L'humain semble alors émerger par hasard de ce chaos et dès ses débuts il parait brut plein d'animalité, très proche d'ailleurs des formes primitives de la vie.

Telle est en ce moment ma recherche sur ce projet de toile "les Premiers hommes" 
Maintenant, les études de compositions vont se succéder…… (Octobre 2011)

R.Dumoux
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Exposition Raymond Dumoux « Nature et Mythologie »

Du 9 octobre au 9 Novembre 2013, au centre d'animation Arras 
48, rue du Cardinal Lemoine 75005 Paris.

Le contenu de l'exposition représente les divers aspects de mon travail : dessin, gravure, panneaux et toiles a tempera. Sont présentées des photos de très grandes toiles de 5 mètres x 3. Ces photos de belles dimensions retracent un ensemble monumental peint de 50 toiles de 5 mètres x 3 chacune, également réalisées a tempera. Il s'agit là d'un panorama monumental narratif parcourant les siècles depuis le Big-Bang jusqu'à maintenant et se projetant dans le futur.

Pourquoi l'intitulé « Nature et Mythologie » ?

Il semble que la mythologie soit à la base de l'élaboration, de la construction de la Nature par l'homme dans les diverses civilisations.
Par exemple, la Mythologie des Aborigènes d'Australie aide à observer la Nature et permet de comprendre comment sont faits les reliefs, les montagnes, les cours d'eau ou l'assemblage des étoiles dans le ciel.
La Mythologie est un rêve de proximité avec la Nature, le temps du rêve. C'est une sorte de recherche vers l'homme primitif, vers l'ancêtre en communication avec la nature. On le comprend il y a un rapport étroit entre Nature et Mythologie. L'ensemble de mon travail semble œuvrer dans cet ordre des choses.

Ainsi dans l'exposition, qu'il s'agisse de mes dessins ou gravures mais surtout dans le cas des peintures toiles ou panneaux a tempera, on discerne ce rapport entre la représentation de l'homme et la nature. Qu'il s'agisse d'un vendangeur, d'un semeur ou encore de cosmogonies. Souvent d'ailleurs certaines évocations sont clairement représentées comme étant mythologiques telle la naissance de Bacchus parmi les ceps de vigne ou Persée et Andromède. D'autre part, de tout temps, les religions présentent de multiples divinités liées aux forces de la Nature, aux éléments, au feu, à l'eau ou à la terre comme aux lieux aquatiques ou marins. Dans l'exposition seront juxtaposés des dessins mythologiques et des dessins de poissons fantastiques ou pieuvres et animaux extraordinaires des immensités abyssales

Les divinités ont des aventures extraordinaires et légendaires. Par exemple Zeus et l'histoire de "Léda et le cygne" dans un tableau de l'exposition. Ou encore Zeus déguisé en pluie d'Or pour séduire Danaé dans sa prison.
Toutes ces aventures sont les mythes qui constituent la mythologie. Et finalement les héros mythiques nous représentent, sont notre image, nous les humains qui pouvons travailler sur la nature, sur les éléments et le cosmos. Ces héros à notre image peuvent gouverner le monde, l'organiser, le modifier, l'aménager.

Raymond Dumoux

Tableau ci-dessus : " Le triomphe de Bacchus " - Tempera sur panneau - 42 x 62 cm
R. Dumoux - 2013 © viapictura.com

Outre mon exposition à Paris au centre culturel Arras j'ai préparé, comme souvent en cette saison, un certain nombre de panneaux a tempéra de diverses dimensions.
Se sont succédé : la préparation des supports, des toiles marouflées, les préparations à l'antique (colle de peau et plâtre), le ponçage après chaque couche successive de préparations.

J'ai ensuite effectué les mises en place de 4 compositions (dimensions : 100 x 70 cm). Travail au fusain repris au crayon dur 4 ou 6 h.
Cet ensemble de 4 grands panneaux se rapporte aux couleurs. aux 4 couleurs primaires ! D'ordinaire on enseigne aux enfants le cercle chromatique composé de 3 couleurs primaires et 3 couleurs secondaires… selon la théorie de Goethe et du 18^éme siècle. Cependant on constate que dans la réalité 4 couleurs sont souvent utilisées comme étant les 4 couleurs primaires, considérées par la majorité des personnes comme étant les 4 premières couleurs : rouge, bleu, jaune, vert... Le vert étant maintenant vu comme couleur primaire.
Ce décompte des couleurs semble relatif. (On distingue 7 couleurs pour l'arc en ciel). Cette notion de couleurs primaires semble variable. On pourrait parler du nombre des couleurs dans la technologie pixellisée ou dans le choix de 3 couleurs principales chez les Kanaks : le bleu, le Rouge, le Vert représentant respectivement, la Mer, le Sang, la Terre.

Pour la recherche et le choix de mes compositions je m'en suis donc remis aux 4 couleurs primaires communes actuellement, afin d'envisager une composition pour chaque couleur.

1- Panneau Rouge : recherche d'une composition historiée suggérant le feu et le sang. Il s'agit alors d'assembler diverses compositions historiées. La danse du Feu s'impose au centre da la composition. De part et d'autre figure la notion de sacrifice, le sang qui coule, le sang du crucifié, du martyr, puis le sang de la terre qui produit la vigne et le vin. Elévation, purification. La naissance de l'enfant d'une grenade ouverte. Figurent aussi le feu du Ciel, le foudre de Zeus, le buisson ardent et aussi le feu de l'Enfer. Cet assemblage sera traité dans une gamme de rouges. Du rouge sombre, pourpre aux divers rouges orangés, au magenta, aux roses pâles jusqu'au blanc.

2- Panneau Bleu : il représente le monde liquide ou de l'air, les océans etc. La composition se déroule dans l'espace marin et diverses figures allégoriques ou mythologiques s'articulent dans le mouvement de l'immensité des vagues . Et puis je fais appelle à la Mythologie et à l'histoire sainte. Ainsi Neptune et Amphitrite, les chevaux marins sont pris dans le flots. Et aussi Jonas s'échappe du gros poisson qui va l'engloutir. Dans la partie centrale sont figurées des nymphes, naïades ou encore les sirènes d'Ulysse.

3- Panneau Jaune : C'est l'évocation de l'or, du soleil, de la richesse, de l'esprit, de la spiritualité. Cette inspiration sacrée se déroule dans des architectures ou objets en or. On pense aux retables sculptés en or à Venise avec la Pala d'Or, au Zeus d'Olympie ( qui mesurait 12 m de haut sur un socle de 2 m) aux Christ pantocrator monumentaux en Or ou encore les innombrables statues de Bouddha en Or. Sans omettre la statuaire Egyptienne, le trésor de Touthankamon. Plusieurs scènes témoignent de la présence de l'or dans la vie avec les pièces en or les lingots, les médailles, les bijoux et puis dans l'histoire de la mythologie, le masque d'Agamemnon, les pommes d'or du jardin des Hespérides comme les masques du musée de l'Or du Pérou à Lima. Une composition structurée par les verticales et le horizontales des architectures organise l'assemblage de ces diverses scènes.

4- Panneau Vert : Le vert fait appel à l'idée de la Nature. C'est la couleur préférée des français, la couleur écologiste Le paysage de la plaine à la montagne présente une grande variété d'arbres, de plantes et de frondaisons. Les cultures dans les plaines constituent une mosaïque de gamme de verts. On remarque des divinités de la Nature, une sorte de Dieu Pan revêtu de feuillages, ou encore des déesses, Déméter , Cérès.

L'ensemble de ces tableaux résulte d'une pensée, d'une idée à propos des couleurs, de la décomposition de la lumière et des couleurs de l'arc en ciel. Très naturellement à chacune d'elles se rapportent des histoires de notre fond culturel qui vit en chacun de nous comme une vague de fond que nous ne pouvons ignorer, et dont nous pouvons et devons parler ouvertement de façon lisible par tous. Ces histoires, ces inspirations se réfèrent souvent aux héros, aux dieux de l'antiquité, à leurs exploits mais aussi, aux figures bibliques .

R.Dumoux
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