Au delà de polémiques qui ont pu exister, l'anthroposophie est un Style qui est un très beau rêve d'Art Total au XX ^éme siècle. On peut rattacher ce mouvement à Art and Crafts au 19 ^éme ou au Bauhaus. Ce style est dû à Rudolf Steiner qui cherchait à atteindre une humanité meilleure. Il trouve maintenant un regain d'intérêt et il est dans les collections de grands musées.
Toujours dans le cadre de l'organisation de la vie (de l'architecture aux arts décoratifs ou de la scène), les applications de l'anthroposophie sont connues dans les domaines des produits pharmaceutiques et cosmétiques ou dans la biodynamique.

Rudolf Steiner (1821-1925) vécut à Vienne, en Allemagne et à Dornach près de Bâle au Goethéanum imposant bâtiment destiné à des activités culturelles. (Théâtre, danse, arts plastiques, peinture décor design, mobilier ..) En ce lieu sera fondée la société anthroposophique. Steiner y propose un chemin de connaissance entre philosophie et occultisme. On y admet l'existence d'une réalité suprasensible, en plus de la réalité matérielle. L'homme y trouve une clairvoyance et lui apporte la liberté.
C'est là une réponse au matérialisme et à la perte de spiritualité du monde. On a pu y voir une volonté de réforme de toute la société dans tous les domaines de l'architecture au médicament.
C'est sans doute cela qui a causé cette mise à l'écart de la pensée anthropomorphique. Il y a aussi le fait de la personnalité complexe de Steiner et les aspects ésotériques.

Dans le domaine des arts c'est une esthétique particulière qui a sa place dans l'histoire. Cela se passe au Gotheanum. C'est une architecture aux formes étonnantes, un Centre culturel d'enseignement avec une vaste salle pour les arts de la scène. Ce centre a attiré des artistes et créateurs de toute l'Europe. Une communauté d'artistes fréquentait ce lieu, prônant un retour à la nature, en réaction contre la modernité et le matérialisme naissant.
Le style des créations apparues au Goethéanum est d'une grande diversité de formes. L'architecture est faite de moulages en béton de grandes dimensions jamais crées. Et de cette architecture découlent des objets de la vie quotidienne des meubles ou luminaires. Là aussi les formes sont variées : parfois ce sont des courbes dodues, d'autres fois ce sont des lignes brisées, anguleuses. Les meubles sont massifs ou très aériens. On remarque des formes à facettes avec des diagonales, des plans inclinés, obtus : on nomme ce style cubisme anthroposophe ou mobilier cubiste.
Ce mobilier se caractérise donc par l'emploi d'hexagones, pentagones, ellipses en harmonie. Ce sont des objets en bois naturel avec des traces de peintures et des couleurs intenses : blanc noir violet, rouge. Selon Kandinsky, la couleur a ses effets sur l'âme. La fabrication du mobilier obéit aux besoins physiques mais aussi aux émotions et au spirituel (alors que le Bauhaus insiste surtout sur la seule fonction physique) L'esthétique du mobilier donne du mouvement à ce qui est inerte, avec le recours aux diagonales , aux plans inclinés,aux lignes courbes aux saillies et facettes. Tout cela apporte un frisson de vie.

Le beau dilate la conscience. La pensée peut être traduite en formes et en couleurs.
Comme son inspirateur, Goethe, l'intérêt de Steiner pour la nature est sous tendu par la croyance aux phénomènes essentiels régissant la nature.
Le style de Dornach est un style qui maintenant commence à s'imposer. Il présente des similitudes avec l'art nouveau, le cubisme tchèque ou l'expressionnisme.
Steiner fut un esprit très ouvert aux problèmes de son temps : il fut conférencier dans toute l'Europe, de Vienne, de Weimar à Berlin. Ses créations forment un tout avec ses écrits, ses conférences, avec une esthétique personnelle qui s'exprime de l'architecture aux arts décoratifs ou à la médication.
Peu à peu le style anthropomorphique prend une place dans l'histoire officielle de l'art. Ce style intéresse de plus en plus et maintenant il est présent dans les musée suisses et dans certains grands musées américains. De même ce style particulier inspire la pensée et certaines formes du design actuel.

R.Dumoux

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Photos : 
Béatrice DUMOUX : Sculptures et design

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"Les indiens d'Amérique du Nord" : il s'agit là d'un vaste projet en vue de la réalisation d'une grande toile de 5 mètres x 3.

Ainsi j'ai rassemblé un certain nombre de textes, à la fois sur les coutumes des indiens d'Amérique du Nord, sur leur mode de vie, leur environnement, les paysages, les animaux importants qui les accompagnent .
J'ai compris la complexité de l'entreprise et comment il m'était difficile de maitriser le grand nombre de tribus à la fois existant au cours des années et aussi selon les régions immenses depuis les grands lacs jusqu'au nouveau Mexique.

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Quelques exemples documentaires : le musée Pettrich , l'exposition "les Indiens des Plaines" au musée du quai Branly en avril 2014; la présentation du peintre George Cattlin. Il y a aussi la référence à d'autres peintres des Indiens tels le Suisse Bodmer ou l'américain Jacob Miller. Ou encore des textes descriptifs sur les indiens au Canada, les Algonquins, les Iroquoiens ou encore les statues en pierre représentant un être humain et appelé Inukshuk.

J'ai fait d'autre part une approche des paysages et des animaux qui ont une importance vitale pour les indiens. D'une part les paysages enneigés du grand Nord et des Grands lacs bien visibles dans les images du film 'l'ennemi silencieux" (années 30)
D'autre part les immensités plus au Sud avec les Grandes plaines, Monument Valley et jusqu'au nouveau Mexique. Une évolution de la couleur, de la grisaille froide au vert parfois vif jusqu'aux ocres rouge de Monument Valley.

D'ailleurs cette variation de la couleur du Nord au Sud sera une base dans ma composition, la toile de fond colorée.

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Pour ce qui est du monde animal :

- Le bison : il y en eut 100 millions et avec l'extermination il n'en est resté que 1000 après Buffalo Bill et 500 000 aujourd hui. Le bison est vital pour les Indiens Comme eux il est venu du grand Nord, de l'Asie par le détroit de Bering il y a des millénaires.
Le bison donne tout pour vivre (sa chair, sa peau ses tendons etc) aux Indiens qui le vénèrent comme un dieu. Il est un Trésor pour les indiens, la figure totémique essentielle.

- L'Aigle dans le ciel, c'est l'esprit, le grand Esprit proche du Créateur. Il est symbole de l'élévation spirituelle ; Ses plumes recueilles par les Indiens sont des signes du ciel et elles deviennent des marques honorifiques et protectrices, sortes de flammes célestes de l'esprit que l'on trouve partout. Flammes de vérité et de courage.

- L'élan et le wapiti sont chassés par les Indiens dans le Nord.

- Le Loup semble avoir un mode de vie semblable aux indiens. Il vit de chasse et de pêche en nomade. Le loup est considéré comme nuisible et il doit être exclu comme les indiens qui n'ont pas surexploiter la terre.

- L'Ours est considéré comme un Sage comme un maître bienveillant. Comme l'homme il a une station debout et il est omnivore. On note aussi la dimension chamanique de l'ours qui a l'instinct de la médecine naturelle.

- Enfin le cheval qui est une importation datant des espagnols. Il a une grande importance pour les indiens pour chasser et aussi il a servi à combattre les indiens et à les exterminer en les chassant de leurs terres.

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Avec la réflexion sur les paysages, sur les tribus indiennes et les animaux les plus importants, une idée, une proposition de composition s'est imposée peu à peu. Les tribus indiennes sont passionnantes mais très diverses selon ces contrées immenses et selon les siècles si bien qu'il est difficile d'effectuer un choix. Les variations des paysages sont intéressantes car elle peuvent montrer un passage des contrées froides à des paysages herbeux et riches puis à des contrées plus désertiques et arides.

Enfin pour ce qui est des animaux cités, le bison est à privilégier car il assure une unité géographique : il est le lien qui unit les diverse tribus indiennes dans le temps et l'espace. D'abord il assure leur survie pour tout les besoins. Mais surtout il y a chaque année une transhumance du bison : en effet les troupeaux de bisons traversent l'Amérique du Nord au Sud selon les saisons. L'été il vit dans les régions herbeuses du Canada et des grands lacs et lorsque l'hiver vient il descend vers le sud et parcourt ainsi plus de mille kilomètres jusqu'au nouveau Mexique… et cela chaque année.

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Ainsi une composition, un mouvement général s'affirme avec précision. Le centre de la composition sera consacré aux Bisons : au 1^er plan, la chasse au bison par un indien à cheval et dans le sens opposé du Nord au Sud, le galop poussiéreux d'un troupeau de bisons devant Monument Valley.

Au 1^er plan de l'image un tipi à gauche et puis se succèdent le portrait d'un Indien en buste avec sa coiffe immense faite de plumes d'aigle et d'autre part un totem très populaire ainsi que un inukshuk au Nord emblématique du Canada. Enfin un Indien et sa coiffe semble montrer un Ours, un Grizzli.

Dans le ciel, le règne de l'esprit, l'aigle royal domine et s'impose par sa taille. Il y a bien sûr les divers aspects de la végétation du cactus aux arbres dépouillés de l'hiver au Canada. De part et d'autre les Tipis se déploient les forêts du Nord avec le renne ou bien au Sud les plaines avec les chevaux des indiens .

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Ce descriptif donne une idée de la composition.
Parallèlement à ces recherches j'ai effectué de nombreux dessins croquis et essais de mise en place des éléments. Ma composition d'ensemble étant établie, je dois préciser l'ordonnance des figures et les mouvements dans le paysage. Ainsi se précise une maquette avec la recherche colorée.
Je suis à même maintenant d'entreprendre l'agrandissement sur la toile de 5 mètres x 3 dûment préparée. Se déroulent les étapes successives de la réalisation : mise en place à la craie et au fusain, tracés au pinceau, ébauche colorée et enfin travail de la couleur.

R.Dumoux
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Léopold TROUVELOT
Observations et représentations de l'espace, des astres et du cosmos.

La réalisation de mon ensemble monumental peint de 50 toiles de 5 mètres x 3 chacune, présente plusieurs réalisations se rapportant aux vues du ciel, par exemple de la lune, des astronautes ou du parcours des planètes dans l'espace. Ensemble monumental peint de plusieurs grandes pièces décrivant l'espace (qui sont également intégrées dans mon ensemble monumental de 50 toiles de 5 m).
Le lecteur voudra bien excusez mes redites et répétitions mais internet ne permet pas facilement toujours de reconnaitre des ensembles aussi conséquents.

J'envisage d'aborder un nouveau programme de peintures du ciel avec des toiles de 5 mètres. Je viens de revisiter les images que la NASA publie : celles de Mars ou Vénus. Ces magnifiques vues de l'espace sont inspirantes pour de nouvelles compositions peintes. (Elles peuvent aussi évoluer du pur réalisme à l'invention de cosmogonies symboliques.)

On connait bien la photo de ces planètes lointaines mais le fait de les dessiner et de les peindre est très enrichissant car cette nouvelle vision, ce nouveau regard apporte un plus pour la connaissance de tel ou tel astre. Et cela grâce au médium de la Peinture.

Cette tentative remonte au 19^éme siècle : avec Arago l'astronomie s'est beaucoup développée. Alors certains amateurs ou professionnels s'adonnent à la seule technique d'observation avec les instruments d'astronomie et d'autres se livrent à la pratique du dessin d'observation et à l'astrophotographie. Quelles que soient leurs pratiques picturales du dessin, de la plume ou à l'huile, ils voulaient comprendre les phénomènes célestes.

Trouvelot astronome et peintre, scientifique ayant l'oeil de l'artiste, créé des oeuvres du plus grand intérêt.
En 1880 il observe et peint au pastel ( 87-95 cm) Saturne et son anneau. (Bibliothèque de l'observatoire. Paris) Il réalise ainsi des pastels originaux des planètes qui peuvent être comparés aux équivalents en chromolithographie d'après les observations au télescope.

On peut voir à la Bibliothèque de l'observatoire à Paris les pastels de Trouvelot et ainsi les comparer aux chromolithographies. On remarque que toute reproduction apporte une nouvelle dimension à l'oeuvre..
L'objet céleste est perçu par notre rétine, regardé et enregistré par l'astronome qui peut ensuite réaliser un dessin ou un pastel comme Trouvelot .
Trouvelot réalise le pastel de Saturne : cette planète apparait plus brillante, plus vive et régulière dans ses couleurs en comparaison de la chromolithographie. C'est une interprétation différente de la vision naturelle qui constitue un apport à la connaissance des astres. Cette remarque est importante car elle laisse à la peinture actuelle un rôle d'un grand intérêt dans la mesure où elle peut apporter une nouvelle touche à la vision des astres.

Maintenant ces observations et réflexions m'amènent à envisager une toile de 5 mètres , dans le cadre de plusieurs oeuvres déjà réalisées sur ce thème de l'espace.
Dans cette réalisation peinte (différente d'une photo ou d'une image d'ordinateur) il y a un apport un enrichissement de la connaissance du ciel et aussi de sa diffusion sensible auprès du public.
C'est à dire que mon grand tableau va offrir une autre dimension à cette image de la Nasa, une autre sensibilité, une autre vibration. Cela permet d'affiner la connaissance de l'astre ou d'une partie du ciel.
C'est aussi le rapprochement de l'art et de la science. Bien sûr réaliser une image du ciel en peinture constitue un gros travail d'autant plus que les dimensions sont importantes. Enfin cette image peinte d'un astre rend grâce à la beauté des corps célestes et du cosmos.
Tel est le projet que j'envisage de réaliser sur une toile de 5 m x 3 destinée au Pictorama, c'est à dire à mon ensemble monumental peint de 50 toiles de 5 m x 3. (visible sur www.viapictura.com)

Actuellement, j'ai réalisé la maquette d'une vue imaginaire de l'espace. Dans cette composition apparait un Trou Noir auquel se joignent deux représentations connues : d'une part, celle de la course de nos planètes, Saturne, Mars, ou Jupiter et d'autre part la Terre. Dans le mouvement de la terre sont entrainées de minuscules silhouettes humaines , flottant dans l'espace qui ainsi est encombré, constellé de toutes ces poussières.

Les créatures et les humains sont des poussières d'Etoiles, moisissures flottant et se dissolvant et comme attirées puis englouties par le trou noir mais aussi constellations de lumières qui ainsi disparaissent et ne cessent de se renouveler.
Un regard aussi sur l'humaine condition.

R.Dumoux

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Auteur de l'ensemble monumental peint Pictorama (composé de 50 toiles de 5 m x 3 chacune) j'ai abordé le XVIII^ème siècle avec une composition qui représente dans sa partie centrale, une figure importante, celle du colporteur qui parait afficher toutes les connaissances du siècle des Lumières.

Cette figure du Colporteur est constituée d'un assemblage de livres, d'images scientifiques, géographiques, de paysages et autres curiosités qui évoquent toutes les connaissances de l'époque.
En fait ce colporteur semble être dans la continuité de gravures du XVII^ème siècle évoquant les métiers. Ce Colporteur parait être l'héritier de ces costumes grotesques du XVII^ème siècle qui suggèrent les métiers.
L'ensemble de gravures célèbres sous le nom de "Les Larmessin" 1632- 1694 est une collection de costumes grotesques évoquant les métiers.

A la BNF il y a un dessin bien connu préparatoire à une gravure de Larmessin :
"L'Homme Livre et le Médecin". C'est un homme barbu vêtu d'une robe de livres, alignés en rangées dont les titres citent Avéroès, Paul d'Egine et les grands médecins de l'Université de Paris.
L'estampe qui s'en suit montre l'élaboration des images au XVII^ème siècle et permet de comprendre toute la série des costumes grotesques des Larmessin.

Voir cette page sur les Larmessin :

http://www.laboiteverte.fr/costumes-grotesques-et-metiers-de-nicolas-de-larmessin/

La suite des Costumes grotesques.

​On commence à les étudier à partir des années 60.

Il s'agit d'une série d'estampes de gravures consacrées à la représentation de professions très en vogue au XVII^ème siècle en Europe jusqu'à nos jours. (jusqu' à Etienne Martin ou Birgit Jurgenssen )
Cette évocation des métiers se fait à partir de personnages isolés devant un paysage vêtus des attributs, outils ou produits liés à leur activité, qui devient leur habit, leur parure. Par exemple le potier est recouvert de récipients et son tour est une partie de son corps. Le personnage est ainsi totalement identifié à son métier. L'effet peut être comique mais aussi fantastique et bizarre.

Ces images sont dans la tradition d'Arcimboldo, dont le principe est d'utiliser des objets variés pour constituer un corps d'apparence humaine. Ce lien des Larmessin avec Arcimboldo est évident.

D'ailleurs Arcimboldo a aussi réalisé un homme livre. Mais outre cette parenté il faut signaler le fait que les Larmessin ont leur source dans la tradition des mascarades de la cour. En effet la famille royale se déguisait, lors de fêtes, en costumes se métamorphosant en êtres ou objets inattendus.

Les mascarades de la cour figurent des gens du peuple et leurs métiers. Telles sont les origines des Larmessin.
Ces costumes font l'objet d'estampes et certaines gravures détaillent les habits des différents métiers. La fantaisie qui est appliquée à ces costumes justifie le mot de grotesque. Dans les figures il y a quelque chose de naturel mais aussi de chimérique : c'est un habit ridicule, bizarre, extravagant.

Les auteurs des dessins et gravures sont les 3 frères Larmessin. Nicolas I,  Nicolas II, Nicolas III : l'un est libraire à Paris, éditeur, l'autre est l'inventeur, concepteur des figures et le troisième est graveur.
(Les dessins des Larmessin sont des habits de métier et pour se réaliser ils comportent des corrections, des modifications inventées par Nicolas I. Il y a une évolution de la figure : le médecin a une tête barbue avec un nouveau visage imberbe et des flèches brisées sortant de la bouche comme les foudres d'Hercule.

Un exemple de dessin et gravure de Larmessin : Le Mireur d'Urines. Ce personnage va observer les urines pour produire son ordonnance.
Cette figure se réfère à l'iconographie connue depuis le Moyen Age et il symbolise le médecin et son savoir, avec sa culture livresque, ses discours savants et son ordonnance à la main. L'accumulation de livres et références rappelle le médecin de Molière avec un discours ridicule de latin ou grec, et un "pompeux galimatias" sort de sa bouche.
L'attitude a un aspect chorégraphique : les bras soulèvent les pans d'un manteau dévoilant des reliures et l'on distingue les noms de médecins de l'antiquité : Hippocrate, Galien, Avicenne avec les apports grecs ou arabes.

En général la vision de la médecine dans ces estampes correspond à celle des comédies de Molière. Il y a une persistance, une continuité de cette vision. Et la gravure du médecin s'intègre à la série des costumes grotesques.

Ma représentation de la figure du Colporteur qui symbolise le siècle des Lumières et s'en inspire, se rattache à cette tradition des Larmessin, d'Arcimboldo et des figures des comédies de Molière.

R.Dumoux
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L'EXOTISME AU XVIII^ème siécle

Mon ensemble monumental peint de 50 toiles de 5 mètres x 3 , Pictorama, à propos de l'histoire de l'humanité évoque les divers siècles de l'histoire et en particulier le XVIII^ème avec plusieurs toiles monumentales. L'une d'elles est consacrée à l'exotisme. Cet article apporte un complément d'information au sujet de cette réalisation.

- Au XVIII^ème dans le cadre des voyages d'exploration du Pacifique en Océanie, Bougainville débarque émerveillé à Tahiti en 1768 et se croit transporté dans le jardin d'Eden. En effet à cette époque la navigation avait fait de grands progrès et les Français, hollandais ou Anglais partaient à la conquête de nouveaux territoires. C'était une compétition pour la connaissance scientifique et on réalisa des cartographies, des descriptions et illustrations de ces territoires conquis.

- En 1771, Bougainville revient et publie son journal "Voyage autour du monde avec la Boudeuse et l'Etoile". Il donne des descriptions luxuriantes et donne naissance au mythe du Bon Sauvage avec les hommes oisifs et les femmes étendues (selon l'idée de Rousseau qui décrit l'homme en harmonie avec la Nature et protégé des défauts de la civilisation).

- Cette vision idyllique est contredite ensuite par LAPEROUSE en 1797 qui dépeint des pays sauvages d'une extrême violence. Lapérouse disparaîtra plus tard à Vanikoro sur l'ile du Diable, dans un cyclone redoutable. (J'ai évoqué ce naufrage dans ma grande toile de 5 mètres x 3 intitulée "la Grande Vague")

- Plus terrible encore est l'aventure de James Cook. Débarquant à Hawaï, il fut pris pour un Dieu et accusé d'actes sacrilèges par les Hawaiens, il fut massacré.

A la suite de ces récits d'exploration il y eut l'imagination des dessinateurs, peintres fascinés par ce monde nouveau. Pour frapper l'imagination, ils exagèrent les traits de ce qu'ils observent comme par exemple les vues de la Polynésie par les peintres à partir des descriptions de Cook. Il y a une grande récolte d'informations variées.

Cette réalité est interprétée en fonction des idées ou sciences de l'époque. Par exemple Dumont D'Urville engage un phrénologie de l'époque pour observer la forme des crânes et en déduire des caractères moraux. Il fit des moulages exposés en 1840. Depuis les récits de Cook et de Lapérouse et les festins cannibales, les indigènes sont devenus des méchants cruels dans les récits d'aventure.

- Outre cette cruauté il y eut aussi la Vahiné ou l'Eve du Bon Sauvage opposée à cette sauvagerie cruelle. La Vahiné est originaire de Polynésie (le cannibale venant de Mélanésie, de Guinée ou de Nouvelle Calédonie)

Ce sont là les deux concepts fondamentaux du monde judéo-chrétien qui oppose le Bien au Mal, ou le Paradis à l'enfer.

Le paroxysme de cette situation est atteint dans l'exposition coloniale de 1931 à Paris : 100 Kanaks de Nouvelle Calédonie, 14 femmes et 5 enfants sont exhibés au Jardin d'Acclimatation.
Cette manifestation très visitée soulève de l'indignation de la part des surréalistes et aussi des politiques. Cela créé une polémique qui stoppe la pratique des zoos humains et anéantit le mythe du cannibale.

Alors se développe un engouement pour les arts primitifs, les arts premiers, qui auront une influence grandissante dans les arts jusqu'à maintenant.

R.Dumoux
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Un cabinet des arts graphiques est né de la volonté de Louis XIV et il devient à la révolution, propriété nationale. Ce cabinet va alors s'enrichir considérablement au cours des siècles et constituer une prestigieuse collection de dessins :
Ce sont des feuilles du XV^éme au XIX ^éme, de Vinci, Piranèse, Fouquet, Delacroix, Dürer, Bosch, Pisanello, Mantegna, Bellini, Brueghel, Rembrandt, Bernin, Rubens, Murillo, Vasari, Jean Bourdichon, Primatice, Rosso, Goya, Ingres, Friedrich, Greuze, William Blake, Girodet, Victor Hugo... etc

HISTORIQUE.
La véritable collection commence avec Louis XIV alors qu'avant il ne s'agissait que de pièces isolées.
Vers 1670 on enregistre pour cette collection royale 101 tableaux et 5 542 dessins qui ont été négociés par Colbert. Puis on remarque un immobilisme malgré l'accroissement du "Fatras" du roi.
Mais à partir de 1674 l'administration royale sort de l'immobilisme.

Le contrôleur des bâtiments du roi, Houasse est chargé des tableaux et dessins et il en fait un inventaire. Puis Antoine Coypel procède à un nouveau récolement en 1704. Cependant l"enrichissement du cabinet du roi n'a pas de vraie stratégie. On acquiert ici ou là...
Par exemple Cochin prend en compte les dessins de Coypel, sa collection de dessins italiens et les siens propres. Comme il n'y a pas de stratégie on estime que le roi a déjà assez de fatras pour en ajouter encore.

On sort de l'immobilisme en 1774 après la mort de Mariette. En effet sa collection de dessins, illustre en Europe, est dispersée et 1 000 pièces sont acquises par le Louvre : des dessins de tous les pays du XV^éme au XVIII^éme. Ces oeuvres encadrées de cartouches dessinés par Mariette, sont parmi les œuvres essentielles du Louvre.

A la Révolution le cabinet du Roi est saisi, les dessins deviennent biens de la nation. Les dessins sont marqués et sont ensuite transportés dans un local fermé d'une double porte avec 3 serrures pour une meilleure protection. (Dans l'entresol des actuelles salles des antiquités du Louvre. Les dessins étaient rangés en paquets ou en porte-feuille dans 3 chambres. En 1792 la collection comptait 10 999 pièces.

Le 15 Aout 1797 est organisée une exposition de 415 oeuvres. C'est un premier accès aux collections jusque là tenues à l'écart. Les oeuvres proviennent du fond royal mais aussi de saisies sur les biens du clergé et les collections des émigrés, saisies qui ont doublé le fond royal jusqu'à 20 000 pièces. (La seule collection du comte de Morus comptait 14 000 pièces.)
Il y eut un excellent accueil pour cette exposition, aussi les expositions vont se succéder jusqu'en 1845.

En 1802 Vivant Denon fut nommé directeur du Museum des arts au Louvre. Et il entreprend l'inventaire des dessins jusqu'en 1812. (Ensuite on ajouta à la collection les dessins acquis par Denon, par exemple 1200 dessins italiens)
De la 2^éme république au Second Empire : les dessins sont placés sous la responsabilité du conservateur Marius Granet.

De 1850 à 1860 Avec Reiset le cabinet des dessins est réorganisé et l'inventaire compte 36 000 pièces. On met alors un ambitieux programme de présentation au public. On organise un parcours chronologique dans 16 salles le long de la rue de Rivoli à l'étage. Sont présentés des dessins précieux de Raphael, Michel Ange, Léonard, Dürer, Poussin, Murillo...
Reiset recherche d'autres oeuvres de qualité pour enrichir ce patrimoine. Par exemple en 1866 il fait entrer au Louvre 300 dessins attribués à Léonard, plus tard reconnus comme de Pisanello. Reiset s'intéresse à la production contemporaine comme la vente de l'atelier Delacroix. Et, pour le Louvre, il achète aussi à l'étranger dans des ventes importantes.

De la 3^éme république à la guerre 39-45. Il y eut l'acquisition de dessins de Bellini, de Tiepolo. En 14-18 les collections sont évacuées. Cependant elles s'accroissent : en 1927 3 000 dessins sont légués par Moreau Nelaton. De plus, 1 524 dessins de Delacroix, 360 dessins de Corot et 260 de Millet. Plus tard le don le plus conséquent consenti fut celui des héritiers du Baron de Rothschild : 40 000 gravures et 3 000 dessins déposés au Louvre en Juillet 1936. Un véritable trésor dont la conservation est bien assurée.

Lors de la guerre 39-45 la grande majorité des collections est évacuée au château de Chambord. La collection Rothschild va au château de Valençay.
De retour au Louvre en 1950 les dessins sont installés à l'aile Mollien puis en 1969 il déménage dans l'aile de Flore. Depuis 1950 le cabinet des dessins sous Mme Bouchot connait un grand essor avec des expositions à un rythme soutenu.
En 1988, le Cabinet des dessins est officialisé comme le 7^éme département du Musée du Louvre.

-> Inventaire du département des Arts graphiques du Louvre

J'ai écrit cet article en raison de l'aspect manifeste du développement d'une collection. (et dans le cas présent prestigieuse et magnifique.)

C'est finalement la création d'un monde, une sorte d'oeuvre d'art total avec de multiples acteurs jouant une partition sublime dans l'espace comme dans le temps.

Cette idée me fascine car je suis moi même modestement une sorte de collectionneur de mon travail de dessin… qui accumule des centaines, des milliers de dessins mettant en scène des figures, des paysages, des arbres, plantes zoomorphes, des objets, des accumulations d'objets à la Morandi ou bien comme les simulationistes ; des composition historiques, des monstres des portraits des animaux courants familiers ou bien multiforme, des objets historiques archéologiques, l'art antique grec ou égyptien, les études très variées à l'imitation des miniatures médiévales ou du musée de Topkapi. Sans oublier les dessins abstraits de formes, de courbes de niveau, rappelant les orographie des paysages chinois Ming ou Qing.

C'est un art total en mouvement en perpétuel progression, une forme de process-art. Composant aussi avec les robots, les vues du ciel, de l'espace, des étoiles et des pauvres humains qui s'éparpillent comme fétus en direction du trou Noir.

R.Dumoux
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Un Monument exceptionnel de Notre histoire, entouré de la vie mouvante, dans ce monde qui bouge
D'origine paléo-chrétienne l'abbaye de St Denis est liée aux dynasties qui se sont succédées sur le trône de France. St Denis est le premier chef d'oeuvre monumental de l'art gothique. Au long de cet article je n'ai pas l'intention d'entrer dans tous les détails historiques ou architecturaux de cet édifice mais je pense simplement attirer l'attention sur un monument d'insigne valeur et qui a survécu malgré les infamies et injures des temps et ainsi est demeuré un site majeur de la conscience nationale.

St Denis est placé sous le patronage de 3 martyrs chrétiens, dont Saint Denis, rattachés à l'enseignement de St Paul.

La révolution à vidé le monument des ossements royaux et de certains tombeaux et l'abbatiale fut abandonnée aux pillages et destructions...
Cet édifice à moitié ruiné éveilla l'intérêt de Napoléon et ainsi d'immenses travaux de restauration eurent lieu tout au long du XIX^éme siècle, avec des apports et reconstitutions exceptionnelles. Puis la révolution industrielle a provoqué le développent d'une économie et d'une vaste banlieue. Tout cela dans un contexte déchristianisé anti monarchique et en rupture avec les valeurs spirituelles.
Au XX^éme dans les années 50 ce fut le département de la plaine St Denis. On est alors projeté dans le XXI^éme siècle. En 2012 dans la suite de cette revalorisation touristique on programme la restauration de la façade occidentale St Denis et cette abbatiale va vers un exceptionnel destin.

A L'origine Le personnage de St Denis fut l'un des 7 évêques envoyés en mission pour évangéliser la Gaule. On lui trancha la tête lorsqu'il évangélisait Paris avec deux compagnons appelés Rustique et Eleuthère , qui subirent la décollation. Une pieuse femme recueillit le corps de St Denis et l'inhuma dans son Champ. (Faits développés dans la vie de Ste Geneviève édité vers 520.)
Le corps de St Denis fut ensuite inhumé loin de Lutèce sur le domaine de Catullus (devenu St Denis) En ce lieu vers 451 Geneviève aurait édifié une basilique à l'emplacement de la tombe de Denis.
Dès le VII^éme siècle Denis est reconnu comme le protecteur du peuple Franc. Alors le culte de St Denis ne cessa de croître. (Denis missionnaire à Paris, avait trouvé le martyr à Montmartre).

Les épisodes de la vie de St Denis, de sa légende ont été fixés par l'abbé Hildouin. Pour St Denis il y eut un écrit de théologien grec appelé Pseudo Denis l'Aérophagie : il se présente comme Denis d'Athènes disciple de St Paul. Il y est dit que Dieu est Lumière, marquant ainsi la pensée néoplatonicienne de la fin de l'école d'Athènes.
Or il se passe que l'abbé Hildouin fond en un seul personnage tout ce qui vient de la tradition de ces personnages relativement à Denis. En somme Denis a été ordonné évêque d'Athènes puis envoyé en gaule pour évangéliser.
L'Empereur Domitien inquiet de la diffusion de la Foi a ordonné la persécution de St Denis qui aurait été arrêté avec ses deux amis au cours d'une réunion dans une carrière aux abords de la capitale. Ils subirent la décapitation sur le mont de Mercure, appelé Mont des Martyrs et puis Montmartre.

Denis persécuté, martyr, connait un destin semblable à celui des apôtres. Alors les religieux le placent sur un pied d'égalité avec Rome : leur Saint Patron Denis est l'égal d'un apôtre. A Saint Denis était attribué un texte fondamental où Denis justifie la fonction monacale transposée dans la théologie chrétienne. Dans ce texte encore, Denis place cette fonction monacale dans la société pour la grâce divine et en rapport avec le peuple de Dieu.

(Il y a en effet deux sortes de moines : les initiateurs, (le corps sacerdotal) et les initiés, (les purifiées) et le peuple saint. Leur pensée est celle de l'ascension des choses matérielles vers les immatérielles à travers la lumière essentielle qui irradie dans les ténèbres de l'esprit.)

Cette pensée a marqué profondément l'abbé Suger et en particulier pour ses projets de construction de l'abbaye. C'était aussi l'époque du moine théologien Abélard … qui va rédiger deux hymnes en l'honneur de St Denis : "apôtres des Gaules" et "le plus grand des philosophes". Ces textes furent recopiés à la suite des écrits d'Hildouin qui furent très importants et reconnus à la fin du XII^éme siècle.

La basilique de St Denis. Eléments de Chronologie.

La 1^ère basilique : au tout début il y a l'intervention de Geneviève et de Dagobert. La 1^ère église est un petit édifice de 20 m de long. Elle fut édifiée à proximité du lieu de la sépulture de St Denis qui comportait un mausolée… Sur ordre de Geneviève vers 451 - 459 cette église fut agrandie puis il y eut vers 629, 639 un nouvel agrandissement par Dagobert qui fut un grand bienfaiteur de ce lieu. A la demande de Dagobert le sarcophage de St Denis fut revêtu d'or et de pierres précieuses. Il réalise aussi un chancel et une grande croix d'or haute de 2 m.
Avec Dagobert la royauté se renforça considérablement à St Denis, il fut le 1^er Roi à élire sa sépulture dans la Basilique en 639. Ce sera sous le règne de Clovis 1^er que les francs manifestent le désir d'être inhumé à St Denis; dans la Basilique qui devient Nécropole Royale.

Le mobilier funéraire est d'une qualité exceptionnelle : l'orfèvrerie mérovingienne luxueuse est constituée de matériaux précieux. Ainsi il y a des reliques royales. Leur présence va attirer des reliques plus modestes et de nouvelles sépultures et ainsi va se développer une vaste nécropole au nord de la basilique

Avec les Carolingiens, la Basilique de St Denis va connaitre une grande apogée. Charles Martel se fait inhumer à St Denis. Son fils Pépin le Bref (après le dernier mérovingien Childéric III) sera le 1^er Roi à être sacré et ainsi créa une nouvelle dynastie : Les Carolingiens.

Pépin décide de faire agrandir la basilique de st Denis avec un parti plus grandiose. Le grand maître fut l'abbé Fulrad qui emprunta certains aspects de l'architecture à Rome. Le projet fut long, et la dédicace n'eut lieu qu'en 775 avec la présence de Charlemagne. La Reine Bertrade épouse de Pépin fit exécuter des chasses d'argent pour contenir les reliques et contribua ainsi à la collection du Trésor de St Denis qui présente déjà un siège d'apparat en bronze gravé de Dagobert. (Selon Suger qui voulait relier son abbaye à la royauté des origines).
Pépin le Bref fut inhumé en 768 à l'extérieur de l'église par humilité (selon son petit fils Louis Le Pieux). Il fut inhumé la face contre terre à cause des péchés de son père Charles Martel qui aurait dépouillé des religieux. Le monument de Pépin était important et un édifice fut élevé sur sa tombe à la demande de Charlemagne qui fait aussi venir le corps de Bertrade épouse de Pépin. L'ensemble devint un écrin, véritable mémorial célébrant la dynastie carolingienne.

Charles Le Chauve et l'enrichissement du Trésor.

Si Charlemagne se fait inhumer ailleurs, Charles Le Chauve (abbé laïc de St Denis) renoue avec la tradition des carolingiens en se faisant enterrer dans la Basilique.
En 841- 847 les moines de St Denis doivent se protéger des assauts des Normands et Vikings et il faut évacuer le trésor de l'abbaye, payer des rançons. Cependant le monastère fut pillé. Aussi Charles Le Chauve va créer une enceinte tout autour, et il va enrichir le Trésor de précieux joyaux. Des chefs d'oeuvre de l'orfèvrerie médiévale, des objets de luxe, manuscrits ou sculptures ...
Parmi ces objets citons seulement le plus précieux : la Coupe des Ptolémées : c'est un canthare antique présentant une cérémonie dionysiaque. Cet objet fut transformé en calice avec une monture d'or et pierres précieuses. L'orfèvrerie cloisonnée est aussi utilisée pour un autel, don de Charles Chauve ainsi qu'une croix en or Repoussé. Sur cet autel est posé un reliquaire d'une richesse exceptionnelle, appelé le Crista pour magnifier l'Eucharistie, de 1 m 20 x 80 cm il est composé d'une succession d'arcades et de très divers arcs. Et à chaque arc sont suspendus des pendeloques et couronnes votives. On inventorie 700 perles, des rubis, 130 émeraudes, 200 saphirs, 20 gros grenats, des améthystes et de petits grenats dans les ors cloisonnés.
Cette dernière description montre bien la grande somptuosité du trésor de St Denis enrichi par Charles Le Chauve. Tout cela est très édifiant et inspirant.

La Nécropole de St Denis, Symbole de l'unité monarchique.

- Succession des translations des cendres :
- Dès 1264 Translation de cendres de corps royaux : les rois EUDES, Hugues CAPET, Robert le Pieux, la Reine Constance d'Arles.
- Puis Henri I^er, Louis VI le gros et son fils Philippe
- Puis une autre translation : Clovis II fils de Dagobert. Et Charles Martel Pépin le Bref et sa femme Bertrade
- La reine Ermentrude, Carloman fils de Pépin et frère de Charlemagne. (et aussi Carloman fils de Louis II le Bègue.)
On réalise 16 Gisants de pierre. Il en demeure 14)
- 1267 : cérémonie d'inauguration. On les dispose au transept autour de l'autel de la Ste Trinité près des sépultures de Philippe Auguste et de Louis VIII.
- 1270 St Louis mort en août devant Tunis fut enterré à St Denis. Mais sa femme Blanche de Castille fut inhumée au couvent de Maubuisson? Car St Louis n'acceptait à St Denis que les figures de Roi Sacré.

- Le tombeau de St Louis.
D'abord, la sainteté de St louis a fait que le roi de Sicile demanda le coeur et les entrailles du roi. Il les obtint et les déposa à l'abbaye de Monreale près de Palereme et il y eut des miracles.
A St Denis , les infirmes visitaient la simple dalle funéraire de St Louis sans faste ni abondance et il y eut d'autres miracles. La foule nombreuse venait prier et s'allonger si bien qu'il fallut imaginer installer une protection. Et on déposa des cierges et des offrandes.
Plus tard on éleva sur la dalle un luxueux tombeau d'or et d'argent, avec la figure du roi en gisant royal et les insignes du pouvoir.
St Louis fut canonisé en 1297, le 25 août et à la suite de cela un immense prestige rejaillit sur l'ensemble de la dynastie capétienne.

NB A propos de St Denis on ne peut éluder le nom de l'abbé Suger qui fut l'inspirateur de cette abbaye. Son inspiration venait de la pensée de Saint Denis, persécuté, martyr, au destin semblable à celui des apôtres.

Tel est le sens profondément sacré de St Denis.

Un article important pourra être publié ultérieurement à propos de l'Abbé SUGER..